“Tales of the Enchanted Woods” стал на удивление многообещающей работой. Всё же дебютный альбом Grima хоть и содержал ряд интересных моментов, однако был слишком неровным, а местами и откровенно недоработанным. Тем не менее, рассматриваемый альбом получился просто на загляденье – мощный и завершенный, пропитанный уникальной атмосферой бескрайних просторов сибирской тайги.

На “Tales of the Enchanted Woods” Grima выдали порцию отличного атмосферного блэка. Не копируя кого-либо, дуэт сосредоточился на развитии собственного звучания, задатки которого уже были слышны на дебюте. Но именно на этом альбоме парням удалось сформулировать основной творческий посыл и развить его. В первую очередь, музыканты нашли свою фишку, включив в музыку баян (именно баян, а не аккордеон!) Вроде бы и ничего принципиально нового, поскольку аккордеон уже давно используется многими околоблэковыми и фольковыми группами. Но Grima используют инструмент в своей индивидуальной манере, подчеркивая меланхоличную атмосферу. Что-то подобное можно услышать у Moonsorrow и Windir. Отмечу лишь, что в музыке красноярского дуэта баян не солирует, а гармонично дополняет клавишные. Кстати, последние используются весьма умеренно и ненавязчиво. Основной тон музыке задают гитары. Именно вокруг гитарных партий строится всё мелодическое разнообразие альбома. Здесь действительно много ярких мелодий, прекрасных соло и лид-гитар. При этом мелодии отнюдь не слащавы и поданы в пропорциях, которые не нарушают суровый музыкальный ландшафт, где меланхолия и ярость сплелись воедино.

Еще раз подчеркну, что композиции по-настоящему разнообразны, и каждый трек отличает ясная подача и цепкость. Удачное инструментальное вступление задает правильное настроение всему альбому и переходит в неистовую “The Moon and Its Shadows”, где помимо блэковых тремоло можно услышать техничные дэтовые проходы, которые живо напомнили мне поздний Immortal. На эту вещь было снято убедительное видео. Хотя мой личный фаворит – это “Ritual”. На мой взгляд, именно эта композиция наиболее удачно вобрала в себя все сильные стороны альбома. Структура альбома кажется очень сбалансированной, с правильно расставленными акцентами. Хотелось бы отметить ряд прекрасных инструменталов, равномерно расположенных на альбоме. Несмотря на небольшую продолжительность, это полноценные произведения, которые одинаково хорошо воспринимаются и как связывающие звенья, и как самостоятельные композиции.

Также в отдельных моментах в музыке используется чистый вокал, своей манерой исполнения более всего напомнивший мне легендарный “Bergtatt” Ulver. Возможно именно поэтому, а возможно альбом действительно получился настолько хорош и убедителен, но “Tales of the Enchanted Woods” включил в свой топ-лист сам Гарм из упомянутых Ulver! Русскоязычная лирика абстрактна и своей образностью удачно дополняет атмосферу альбома. Единственным минусом я бы назвал только драм-машину. Ее, конечно, попытались максимально приблизить к звучанию живого инструмента (и довольно удачно), но всё же привкус пластика местами ощущается. На фоне роскошного звука остальных инструментов это слегка смазывает общее впечатление. Ну а во всем остальном “Tales of the Enchanted Woods” это очень зрелая работа, которую отличают профессионализм, несомненный талант и масштабность. Пусть кого-то и расстроит тот факт, что для Grima black metal это не манифест, а форма искусства, но я давно не слышал в жанре столь освежающей работы. И уж никак не ожидал услышать такое с просторов Сибири… Очень крутой релиз!

Alias  14 янв 2020

Надо сказать, что в богатой истории Yes наряду с несомненной классикой присутствует и достаточное количество спорных альбомов, получивших неоднозначную оценку. Альбом “Drama” один из них. Несмотря на то, что альбом в целом пошел хорошо, особенно в США, все же среди части фанатов он вызвал противоречивые эмоции. Дело в том, что на тот момент в группе произошел ряд серьезнейших изменений, связанный с уходом сразу двух ключевых участников – вокалиста Джона Андерсона и клавишника-виртуоза Рика Уэйкмана. Предыдущий альбом “Tormato” был принят публикой не очень хорошо, что пошатнуло уверенность группы в собственных силах. К тому же, на заре была новая музыкальная эпоха, и классики арт-рока не имели четкого видения, куда им двигаться дальше. Все это накладывалось на общую эмоциональную усталость музыкантов, было утрачено ощущение единства.

После ухода Андерсона и Уэйкмана оставшиеся участники приуныли, решив пока что забросить дела группы и просто поиграть в свое удовольствие. Однажды они репетировали в небольшой лондонской студии, и в соседнем помещении оказались Тревор Хорн и Джефф Даунс из The Buggles – модного new wave/synthpop дуэта, который как раз выпустил тогда очень успешный сингл. Тревор и Джефф были большими поклонниками Yes, и естественно вскоре все музыканты оказались в одном помещении. Решили вместе поджемовать, тут же появились интересные идеи… В итоге Тревора и Джеффа пригласили присоединиться к группе. Злые языки тут же прозвали обновленных Yes The Yeggles. Хотя, как вспоминал впоследствии Крис Сквайр, ему потребовалось приложить усилия для того, чтобы уговорить Тревора стать фронтменом Yes. Будучи поклонником группы и оригинального вокалиста Джона Андерсона, Тревор Хорн понимал, какую ответственность ему предлагают взвалить на свои плечи.

Однако, так или иначе, непринужденность первой встречи передалась и всему процессу работы над новым альбомом, который был сочинен и записан достаточно быстро. Что не удивительно, учитывая высокий профессионализм всех музыкантов и продюсерский опыт Тревора Хорна. Следует сказать, что “Drama” совершенно не заслуживает той несправедливой критики, которую время от времени получает и сегодня. По сути, смысл критики по большей части сводится к тому, что Тревор Хорн не Джон Андерсон. Вот и все. Конечно, ему было тяжело. Несмотря на великолепную музыку, представленную на альбоме, Хорна приняли не все, что особенно ощущалось во время британской части турне. Но необходимо отметить, что Тревор все же прекрасный вокалист и оказался очень близок по диапазону к Джону Андерсону. Он отлично справлялся не только с собственными вокальными партиями, но и с большинством партий своего предшественника.

Что касается содержания альбома в целом, он получился очень насыщенным. На нем группа нашла идеальный баланс между классическим арт-роком и музыкой новой волны, на которую Yes до этого поглядывали одним глазом, но не могли найти верный подход. Конечно, по сравнению с предыдущими записями в музыке поубавилось симфоничности и стало больше атмосферности, прежде всего за счет звучания клавиш. Стиль игры Джеффа Даунса заметно отличается от предшественников и был более современным на тот момент. Постоянное присутствие клавишных партий в музыке отнюдь не навязчиво и прекрасно вписывается в общую звуковую картину, идеально сочетаясь с остальными инструментами. Также композиции обрели выраженный песенный формат, более прямолинейную подачу и акцент на ритм. Но присущее группе изящество никуда не делось. Это все тот же проговый Yes, только с осовремененным звучанием и новыми правильно расставленными акцентами. Если до этого группа временами грешила излишней затянутостью, то здесь даже продолжительные композиции звучат более сфокусировано и лаконично. “Drama” вообще производит весьма целостное впечатление. Несмотря на комплексность материала, альбом отлично ложится на слух и поэтому выделить отдельные темы достаточно сложно. Хотя моим личным фаворитом является “Into the Lens” – великолепная, эмоциональная вещь, которую можно смело занести в золотой фонд Yes. Именно на этой композиции, как мне кажется, группе удалось идеально соблюсти упомянутый баланс между классическим арт-роком и звучанием, более соответствующим духу того времени. Также я бы выделил вступительный эпик “Machine Messiah”, который отличает непривычно тяжелый основной думовый рифф в духе Black Sabbath (!) и весьма жесткое солирование Стива Хау на фоне арт-роковых аранжировок. Но, опять же, это только личные предпочтения и остальные вещи ничуть не хуже. Отдельно следует отметить четкий микс и очень классные аранжировки. В них присутствует… некая «целесообразность», по-другому даже не могу выразиться.

В завершение можно с уверенностью сказать, что “Drama” – это отличный, очень интересный, эмоционально богатый и сбалансированный альбом, обозначивший то направление, в котором группа могла бы двигаться и дальше. На нем действительно много хорошей игры и музыки. Новые люди оказались не только состоявшимися музыкантами, но и прекрасными авторами. Во многом благодаря их приходу Yes удалось удачно вписаться в новое звучание. При этом, в отличие от большинства музыки того времени, “Drama” и сегодня звучит интересно. К сожалению, этому составу не удалось долго продержаться вместе. Отчасти из-за того, что сами музыканты не до конца чувствовали себя на своем месте. Да и Тревор Хорн был все же больше продюсером, чем фронтменом. К счастью, в будущем именно в этой роли он продолжит сотрудничество с Yes. А однажды в группу вернется и Джефф Даунс…

Alias   4 июл 2019

Учитывая огромный поток новой музыки, который грозит обесценить само её существование, приходится серьезно покопаться, чтобы найти что-то действительно интересное. И тем более удивительно находить в этих дебрях группы, уровень и творческий потенциал которых значительно шире рамок той скромной ниши, которую они занимают. Spaceslug демонстрируют размах, присущий в большей степени именитым и заслуженным коллективам в их лучшие годы. Поляки проявляют исключительную работоспособность и действуют как уже состоявшаяся классическая группа, которую отличает качественный и последовательный подход к своему творчеству. Выпустив в 2017 полноформатный альбом “Time Travel Dilemma”, Spaceslug в том же году записали ЕР “Mountains & Reminiscence”. Можно ли считать его дополнением к альбому? Нет, поскольку на этом ЕР представлен полностью новый материал, который по настроению и содержанию заметно отличается от остального творчества группы. Именно поэтому “Mountains & Reminiscence” следует воспринимать как самостоятельный релиз. Более того, по содержанию ЕР получился настолько насыщенным и самодостаточным, что он практически равноценен альбому. Удивительно, что весь материал был записан в студии вживую всего за два подхода!

По сравнению с ранее вышедшими альбомами, на “Mountains & Reminiscence” группа демонстрирует несколько иной творческий подход. В стилистическом плане в музыке появилось намного больше психодела и наметился больший уклон к стоунеру. Композиции стали более энергичными, разнообразными по структуре и содержанию, в них больше места уделено вокалу. Теперь это не думовые броненосцы, а именно песни, что делает их более доступными для восприятия. Ну, по крайней мере такие вещи, как “I Am The Gravity”, с налетом пост-гранжа, и бодрая, пропитанная грувом “Opposite The Sun”. На последнем треке Spaceslug заметно прибавили ходу, разогнавшись до скоростей, которые трудно было от них ожидать, учитывая более ранний материал. При этом парни всё же не забыли о своих корнях и, например, на “Elephemeral” мы слышим в риффах такую масштабность, какой не наблюдалось даже на предыдущих альбомах. В целом ЕР получился достаточно экспериментальным, и в музыке наметились прогрессивные черты. Особенно это касается открывающего трека “Bemused and Gone”, который звучит в совершенно нехарактерной для группы манере. Мне даже трудно его описать, поскольку слышится в нем много различных влияний, но зацепиться за что-то конкретное сложно. Лично мне послышались даже отголоски Pink Floyd и a-ha, густо замешанные на думе и психоделе. Отдельно хотелось бы остановиться на треке “Space Sabbath”, название которого на 100% передает его содержание. Здесь группе удалось отдать дань уважения сразу двум основным своим источникам вдохновения. Представьте, что Black Sabbath улетели в космос. Сама композиция являет собой умопомрачительный гибрид из мутировавшего под кислотой основного риффа Black Sabbath и легендарной киноэпопеи «Космическая Одиссея 2001» Стенли Кубрика. И хоть сами музыканты не позиционирует эту вещь как таковую, считаю, что это один из лучших каверов на Black Sabbath.

Как видите, все песни получились разными, и каждая звучит по-своему. Это одновременно является и плюсом, и минусом, поскольку несмотря на стремление группы достигнуть единой атмосферы, ЕР звучит несколько разношерстно. Но это я уже пытаюсь воспринимать релиз с точки зрения альбома, каковым он все же не является. Так что “Mountains & Reminiscence” - это прекрасная, по-настоящему интересная, очень зрелая и умная работа. Если парни продолжат двигаться в этом направлении, то у них есть все шансы для того, чтобы стать если не знаковой, то действительно значимой группой.

Alias   9 фев 2018

Дебютный альбом Spaceslug был достаточно хорош для того, чтобы привлечь внимание даже бывалых любителей стоунер-дума. Однако, ему всё же не хватало остроты ощущений и чувства уверенности для того, чтобы убедить всех вокруг в серьезности своих намерений. Этот недостаток был устранен на следующем альбоме. “Time Travel Dilemma” получился заметно более зрелой работой. По сравнению с “Lemanis” этот альбом звучит динамичнее, разнообразнее, да и попросту более естественно. Он начинается ровно там, где закончился “Lemanis”, развивая и доводя до ума идеи, начатые на предшественнике.

Даже несмотря на то, что по большому счету в своей музыке Spaceslug используют набор проверенных приемов, уходящих корнями в далекое прошлое, их трудно упрекнуть в клишированности. Благодаря творческому подходу, выглядит это скорее как самобытная интерпретация жанра. В конце концов, актуальность музыки во многом определяется её качеством. А с этим у поляков всё в полном порядке. “Time Travel Dilemma” получился весьма вдумчивой и сосредоточенной работой. Альбом объединен одним настроением и воспринимается как цельная вещь. В музыке проявилось больше психоделии и атмосферы. Водоворот клокочущих думовых риффов то и дело сменяется более размеренными, вальяжными частями, переходя местами в совсем уж парящие в невесомости проигрыши, как в “Parahorizon”, которая наряду с заглавным треком является наиболее показательной для альбома. Музыку Spaceslug действительно можно уподобить изображенной на обложке гигантской улитке, ползущей навстречу галактикам, минуя черные дыры, и пересекая циклопические газовые туманности в зареве вспышек сверхновых звезд.

Что осталось прежним от предшественника, так это ведущая роль основной мелодии. И если у подавляющего большинства стоунер-думовых групп во главу угла ставится жирный гитарный рифф, то Spaceslug часто выстраивают риффы вокруг основного лейтмотива. В композиционном плане на “Time Travel Dilemma” группа звучит очень собранно, не ударяясь в импровизации и прорабатывая отдельные детали. Благодаря такому подходу массивный думовый монолит обретает скульптурные формы и, несмотря на впечатляющую продолжительность некоторых композиций, в них происходит достаточно много событий, чтобы не заскучать. Да и весь альбом пролетает как-то очень уж незаметно даже с учетом того, что его продолжительность составляет канонические для времен виниловых пластинок 44 минуты.

Что касается качества реализации, то с учетом представленного материала она близка к идеальной. Четкая, сбалансированная, но при этом не вылизанная запись звучит очень натурально и аккуратно. Группе удалось достичь густого, лохматого саунда не прибегая к излишней сырости и грязи. Обращает внимание более проработанный по сравнению с предыдущим альбомом отстраненно парящий вокал, который в значительной мере способствует создаваемой атмосфере. Весьма хорош грамотно прописанный перегруженный бас, который хоть и не лезет вперед, но ведет достаточно интересную линию, чтобы его присутствие не сводилось к простому фону. Вообще примечательно, что в общем миксе каждый инструмент играет равнозначную роль и не перекрывает другой.

“Time Travel Dilemma” получился по-настоящему интересной и самобытной работой, к прослушиванию которой хочется вернуться еще не раз. У альбома есть свой характер. На нем музыкантам удалось развить идеи, начатые на предыдущей записи. Но я думаю, что в будущем Spaceslug могли бы прийти к еще более прогрессивным формам выражения своей творческой мысли. По крайней мере, потенциал для этого имеется.

Alias   7 фев 2018

Оказывается, в Польше помимо сонма всевозможных блэк- и дэт-метал групп, во главе с Vader и Behemoth, присутствует весьма компетентная стоунер-думовая сцена. И Spaceslug видятся мне одними из самых интересных её представителей. В отличие от большинства коллег по цеху, без устали взрывающих косяки во славу Сатаны, это трио устремило свои взоры в бездну космоса. Тема тоже достаточно популярна для жанра, однако для этих поляков космос является источником вдохновения в буквальном смысле. То есть, здесь вы не найдете космонавтов, парящих среди астероидов в зарослях конопли. Увлеченность группы предметом столь серьезна и основательна, что в треке "Supermassive" используется запись последних минут эфира советского космонавта Владимира Комарова, за мгновения до катастрофы при посадке космического корабля «Союз-1»! Хотя лично у меня достоверность представленной записи вызывает сомнения.

В манере игры Spaceslug старательно следуют канонам традиционного стоунер-дума. Условно их музыку можно описать как гибрид заторможенных Black Sabbath и Neurosis, хотя и без депрессивной истерии последних. Звучанию Spaceslug характерен теплый ламповый звук, живая запись и умелое использование традиционных для классического рока (даже не металла) гитарных эффектов. Но что действительно выделяет поляков, так это умение писать интересные мелодии. В отличие от многих подобных групп, эти ребята знают как подгонять запоминающиеся мотивы, а не просто размазывать по трекам правильные думовые риффы. Композиции на альбоме получились продуманными, компактными и в большей степени «песенными» по своей структуре. Кроме того, у Spaceslug весьма характерный вокал, который очень хорошо вписывается в общую картину и чем-то отдаленно напоминает покойного Лейна Стейли из Alice In Chains. Благодаря всему вышеперечисленному, музыка этих любителей звездных скоплений не сливается в заурядный фон и вполне способствует её вдумчивому восприятию.

Надо отдать должное, что уже на первом альбоме музыкантам удалось добиться собственного почерка, который они будут развивать на следующих своих записях. Но альбом, конечно, не безупречен. Его явным недостатком я бы назвал то, что он получился излишне ровным. Неторопливо и с расстановкой наваливая дум, Spaceslug местами звучат слишком уж дидактично и сдержанно. Тем не менее, те острые грани, которых не хватает дебюту, разнообразят музыку Spaceslug уже на следующей работе. А для первого альбома “Lemanis” звучит очень даже хорошо.

Alias   6 фев 2018

За последние годы бескрайние просторы дикой Сибири взрастили несколько действительно ярких, интересных проектов, благодаря которым можно говорить о постепенном формировании самоcтоятельной сибирской сцены. Одним из таких проектов, несомненно, является Ultar, чья дебютная работа “Kadath” получилась достаточно интересной и амбициозной, чтобы привлечь внимание шведского лейбла, взявшегося за выпуск альбома.

И Ultar действительно есть, что сказать слушателю. Первый шаг группы получился уверенным. Сибиряки не стали размениваться и, рискуя потерпеть фиаско, сразу же замахнулись на концептуальный формат. Содержание альбома “Kadath” вдохновлено повестью легендарного Г.Ф. Лавкрафта «Сомнамбулический поиск неведомого Кадата». Откровенно говоря, сегодня этим мало кого удивишь, поэтому нужно брать умением и изобретательностью. А с этим у группы всё в порядке. Нет, альбом конечно же не идеален и может вызвать ряд замечаний, однако он обладает рядом характеристик, которые позволяют назвать его удачным, а дебют Ultar - состоявшимся. Несомненным плюсом является то, что, имея определенную связь и логику, все композиции альбома прекрасно воспринимаются и по отдельности, благодаря чему при прослушивании не возникает ощущения затянутости и излишней претенциозности, чем порой грешат концептуальные опусы.

Что касается жанровой принадлежности, то я бы не сказал, что это на 100% пост-блэк. Традиционного блэкового чеса здесь тоже предостаточно, и в большинстве случаев базовая основа композиций все еще близка изначальному блэку. Конечно, это не черная ярость в чистом виде. Оправдывая приставку «пост», вьюга из гитарных тремоло и отчаянных бластбитов то и дело перемежается мечтательными пассажами, наполненными созерцательной атмосферой в духе Alcest. В такие моменты возникает ощущение, прекрасно переданное на картинах маринистов XIX века, когда в разгар свирепой бури сквозь плотную завесу туч пробивается смутный свет солнца, даруя надежду на спасение. Правда надежда эта обманчива, так как очень скоро мы вновь погружаемся в яростный вихрь. Умение уловить и передать в своей музыке такие пограничные моменты лично я считаю творческой удачей. Вообще, “Kadath” получился достаточно разнообразным по настроению альбомом. Имея в своей основе ощущение мистического путешествия, музыка достаточно хорошо передает ощущение «смены декораций» и пространств, скажем так. От клокочущей ярости в "Nyarlathotep" и "Azathoth", через умиротворение "Shores of the Sleeping Seas", к ощущению катарсиса и обретения в одноименной названию альбома композиции "Kadath" цели всего путешествия.

В плане реализации альбом тоже весьма хорош. Парням удалось нарулить достаточно густой и массивный гитарный звук, хотя и не без отдельных прорех в общем звуковом полотне, скажем так. Нарекания только вызывает туговатая ритм-секция, которая местами звучит неуклюже и излишне тяжеловесно. Здесь я имею в виду само звучание в общем миксе. К несомненным удачам альбома следует отнести очень мощный, эмоциональный и хорошо поставленный вокал. Я бы даже сказал профессиональный, если такое определение применимо к данному жанру. Скримить тоже можно художественно, что в полной мере демонстрирует вокалист Ultar. А это, откровенно говоря, встречается в блэке не так уж часто.

Подводя итог, можно говорить о том, что “Kadath” получился достойной работой и звучит как минимум не хуже западных аналогов. Конечно, альбом не потрясает устои экстремального металла, и в нем можно найти ряд заимствований. При первом прослушивании данная запись вызвала у меня ассоциации с Wolves In The Throne Room и The Great Old Ones. Однако, мне кажется, что это обусловлено, в первую очередь, некоторой зажатостью музыкантов, присущей многим дебютам. Определенная скованность всё же ощущается. Но уверен, что если группа проявит больше авантюрности, добавит немного свинга и углубит работу над мелодиями и аранжировками, следующие работы станут еще более интересными и по-настоящему захватывающими. Потенциал для этого у музыкантов есть.

Alias  20 янв 2018

Эта команда из Татарстана подкупает своей прямо-таки безудержной качевой агрессией. Рубят ребятки мощнейший овербрутал слэмового розлива, не лишенный разного рода звуковых фишек. Весь материал диска от интро до оутро слушается на одном дыхании, и неполные тридцать минут пролетают незаметно. Образовалась группировка не столь давно, но уже не раз отыграла за пределами родного края с брутальными группами не последних эшелонов отечественного смертельного металла. К слову сказать, мне удалось даже воочию все увидеть и услышать – скажу вам, ощущения непередаваемые! Все - от поведения всех музыкантов на сцене до техники исполнения заслуживает только глубокого уважения. Качевость и мощь просто непередаваемые, что в полной мере можно прочувствовать и на ‘Nameless And Dead”! В принципе, такая музыка изначально заточена для мощнейшего концертного слэма, и по мере прослушивания диска то и дело представляешь забитый до отказа клуб, содрогающийся от беснующейся потной толпы. Весьма качественный продукт. Видно, что мужики знают, чего хотят добиться, проделали огромную работу и нацелены на достижение определенного результата… И результатам этим, по всей видимости, будет одна из ведущих ролей в отечественном брутальном движении. Оформление диска очень четкое в лучших традициях жанра, у группы уже имеется даже своя линия мерчендайзинга! В общем, никаких особых недостатков в этом релизе я не нашел, разве что только отсутствие текстов в буклете диска…

Alias  16 ноя 2016

Несмотря на то, что это лишь первый полноформатный альбом молодой doom/death metal группы из города Симферополя, в 2011 году ребята уже отметились на международном фестивале Doom Over Kiev 5, где выступили вместе с такими монстрами жанра, как Draconian, Esoteric, Forest Stream и Tears Of Eternity. Тем не менее, группе потребовалось еще три года, чтобы записать дебютную работу, прослушав которую приходишь к выводу, что время было потрачено не напрасно. Альбом был записан и сведен в студии Blacklight Recording Studio (Khors, Лешак, Luna, Semargl). Семь композиций, вошедших на "All Alone With The Thoughts", выполнены в своеобразном классическом дум-дэтовом стиле, что не может не радовать! Материал диска представляет собой целостную эмоциональную структуру, прерываемую инструментальными клавишными пассажами и приправленную глубоким, мощным гроулингом. Гитарные структуры щедро разбавлены яркими соло с акустическими вставками. Оформление также вполне на уровне. Обложка, видимо, олицетворяет человека, одиноко взирающего на просторы Черного моря, после продолжительного отдыха перед возвращением домой на опостылевшую работу, в грязные, захламленные псевдоценностями каменные джунгли… Музыкантам группы совсем не до веселья...

Alias  16 ноя 2016

Это уже третий полноформатный альбом российской группы из провинциального города Тверь, который ребята выпустили спустя три года после предыдущей записи «Истинный зов». Наряду с качественным музыкальным материалом данный коллектив получил умеренную долю славы после выступления на Moscow Doom Festival V, отыграв на одной сцене с такими грандами стиля как Esoteric, Pantheist и Jack Frost. Интересно, что в составе группы всего два музыканта – гитарист и басист/вокалист, а ударные синтетические, что нисколько не умиляет достоинств материала диска - это достаточно агрессивный и в тоже время депрессивный дум-метал, больше тяготеющий к фюнеральному ответвлению стиля.
Добавьте к этому русскоязычные тексты (к сожалению, мало воспринимаемые на слух) и высокохудожественное полотно соло-гитары, словно украшающей данные музыкальные холсты, и получите очень интересный и нескучный материал, который реально цепляет и заставляет возвращаться к нему снова и снова. А четыре композиции, вошедшие на диск, при неоднократном прослушивании обретают черты единой концептуальной палитры. Касательно оформления диска: оно выполнено в традиционных для команды аскетических, в основном черно-белых тонах, что, вполне возможно, указывает на отсутствие пафоса и помпезности в стане коллектива.

Alias  16 ноя 2016

Вышедший в 2014 году дебютный альбом KZOHH звучал настолько впечатляюще, что те, кому довелось его услышать, следующую работу группы ожидали уже с нетерпением. За прошедший год KZOHH успели поменять вокалиста и из студийного проекта стали полноценной концертной группой, убедительно воплотив на сцене атмосферу своей музыки. На “Rye. Fleas. Chrismon” KZOHH отошли от шаманских таинств предыдущей работы и обратились к одной из самых мрачных страниц в истории средневековой Европы – теме чумы. И хотя тема далеко не нова, группе удалось живописать этот страшный бич чертовски вдохновенно, звуча свежо и убедительно там, где потенциал, казалось бы, давно исчерпан. Благодаря подчеркнутой концептуальности, альбом пронизан единой гротескной атмосферой. Представленная на альбоме сокрушительная смесь ядреного блэка, эмбиента и дума напоминает истрепанные края погребального савана.

В целом можно говорить о том, что “Rye. Fleas. Chrismon” оправдал ожидания тех, кого заинтересовала предыдущая работа группы. Несколько разочарованными будут лишь те, кто ждал продолжения авангардных экспериментов. Все же новый альбом звучит более сдержанно, чем его предшественник. Музыка KZOHH стала менее эклектична, более сфокусирована и основательна, но при этом не утратила эмоциональности. Собственно говоря, теперь в музыке задает тон нарочито грубый, шершавый блэк, который временами перемежается нагоняющими замогильную жуть тягучими думовыми пассажами. Сделав эмбиент неотъемлемой частью своего звучания, музыкантам удалось весьма органично вплести клавишные пассажи в общее полотно звучания, благодаря чему крайне мрачные эмбиентные зарисовки придают альбому еще большую целостность, подчеркивая его концепцию и связывая повествование воедино. Эпизодически всплывающие электронные эффекты хоть и вызывают любопытство, но решающей роли все же не играют. Что касается нового вокалиста, то справился он со своей задачей отменно. Чрезвычайно разнообразный и артистичный вокал, объединивший в себе внушительную болезненную палитру – от традиционного скрима до срывающегося на зловещий вой харша и сиплого шепота, порой делает немыслимые кульбиты и воспринимается как еще один полноценный инструмент. Конечно, жаль покинувшего состав Зорна, чей голос играл важную роль в создании атмосферы дебютного альбома, но в лице Zhoth’а ему была найдена достойная замена.

В сугубо техническом плане каких-либо нареканий нет. Музыкантам удалось добиться достаточно четкого и сбалансированного звука не в ущерб характерному для блэка свирепому, первобытному чувству. Кроме того, KZOHH сделали ставку на умение создавать хорошие, завершенные композиции и грамотно расставлять эмоциональные акценты. Все участники KZOHH опытные музыканты (настоящие и бывшие члены Khors, Nokturnal Mortum, Astrofaes, Ulvegr, Reusmarkt) и не только прекрасно знают, как играть блэк, но умеют делать это интересно. При этом я бы не стал сравнивать эту музыку с тем, что они делают или делали в своих основных группах. В музыке KZOHH царит совершенно иная атмосфера – более жуткая, более нечеловеческая и пугающая своим реализмом, способная уловить чудовищную и противоестественную красоту разложения и стагнации. Это музыка, которая прекрасно звучала бы под зловещие раскаты набата, возвещающего о пришествии чумы. Очень интересная и самобытная работа.

Alias   1 фев 2016

Данный релиз фактически является доработанным переизданием вышедшего четырьмя годами ранее альбома каверов “Southern Rock Masters”, на котором была отдана дань уважения группам, которые когда-то вдохновили самих Molly Hatchet. И надо сказать, что “Regrinding the Axes” выигрывает у своего предшественника благодаря более взвешенному подходу к составлению трек-листа – была изменена последовательность треков и добавлены четыре новые песни, записанные во время студийных сессий к “Southern Rock Masters”. И если выбор битловских “Back in the U.S.S.R” и “Yesterday” выглядит донельзя банально, то “Free Bird” (Lynyrd Skynyrd) и “Melissa” (The Allman Brothers Band”) это действительно настоящая классика южного рока, ставшая украшением альбома. Особенно “Free Bird” – знаковая вещь и один из любимых концертных номеров Molly Hatchet в течение долгих лет. У этой песни долгая и славная история, и она является если и не «наиболее востребованной песней в истории рок-музыки» (по мнению журналиста Amazon.com Лорри Флеминга), то уж точно одной из самых известных. Ее можно услышать даже в саундтреке к легендарному фильму «Форрест Гамп». Слушая “Free Bird”, легко можно почувствовать, какое влияние Lynyrd Skynyrd и конкретно эта песня оказали на творчество Molly Hatchet. Базовая структура песни и сам подход к аранжировке угадываются в целом ряде вещей «хэтчетов», особенно авторства Бобби Ингрэма. Думаю, что «Вольная птица» стала главным украшением “Regrinding the Axes”. Более удачным оказался и выбор концертных бонусов. Мощная “Get In the Game” из позднего творчества «хэтчет», а также гитарное-фортепианное соло из клэптоновской “Layla” стали отличным дополнением к основному материалу.

Ну а в целом за счет наличия новых вещей, а также благодаря измененной последовательности песен по сравнению с “Southern Rock Masters” эта работа звучит динамичнее. И даже унаследованные от предшественника явные огрехи в звучании не слишком портят впечатление от прослушивания. Действительно хороший альбом. Пусть и старомодный…

Alias  13 янв 2016

Molly Hatchet решили поностальгировать, записав альбом каверов, которые, по утверждению самих музыкантов, должны продемонстрировать корни группы. Ну что ж, почему бы и нет? Тем более, что Molly Hatchet всегда любили поиграть каверы и делали это весьма качественно. Так что релиз подобного плана в контексте творчества группы выглядит вполне логично и даже закономерно. Подборка песен за редким исключением не несет в себе откровений и представляет из себя хорошо знакомые не одному поколению рокеров хиты The Rolling Stones, ZZ Top, Thin Lizzy, Eagles, Mountain. Все песни сыграны в ключе оригинальных версий, изменения по большому счету коснулись лишь звучания и незначительных нюансов в аранжировках. В принципе, группа и не ставила перед собой цели удивить слушателя каким-то свежим подходом к старой классике. Создается впечатление, что этот альбом музыканты записывали больше для себя, просто поиграв в свое удовольствие любимые песни. Возможно, именно поэтому он вышел не народном для группы SPV, а на каком-то малоизвестном лейбле.

Конечно, “Southern Rock Masters” разнообразил дискографию Hatchet, но, честно говоря, альбомчик кажется сырым и недоработанным. И в первую очередь из-за дубового, плоского звука, враз утратившего свою глубину по сравнению с предыдущими работами группы. «Замусоренная», шумная гитара своим скрежетом временами просто режет слух, из-за чего альбом временами вызывает ощущение демо-записи. Сипящий вокал Фила МакКормака звучит на удивление бесцветно и устало. Куда делся его фирменный рев? Подборка песен также вызывает вопросы. Совершенно непонятно, зачем надо было снова один в один записывать роллинговскую “Tumbling Dice”, если эта вещь уже выходила на “Kingdom of XII”, где звучала на порядок лучше. То же самое и с “Dreams I’ll Never See”. Понятно, что это одна из любимых песен группы, которая до сих пор исполняется на концертах. Но, если я не ошибаюсь, начиная с дебютного альбома эта вещь была перезаписана трижды и это уже четвертый дубль! Три концертных бонус-трека также погоды не делают, поскольку представляют из себя дежурные песни, без которых и так не обходится ни один сборник или концерт Molly Hatchet. К большому сожалению, из-за всего вышеперечисленного “Southern Rock Masters” воспринимается как некий «побочный» релиз и может представлять интерес только для упертых фанатов группы.

Alias  22 дек 2015

Слушать концертники этой группы всегда сплошное удовольствие. Даже в самые тяжелые времена Molly Hatchet оставались мощным концертным составом и давали отличные шоу. “Double Trouble Live” как раз пришелся на тот смутный период, когда группа выпустила два далеко не самых удачных альбома, и стала заметно сдавать позиции. Тем не менее, как концертная группа Hatchet у себя дома все еще были весьма востребованы. Благо в запасе было достаточно хитов с первых чрезвычайно удачных альбомов, которые были еще достаточно актуальны и не успели порасти мхом. И хотя ко времени записи данного концертника состав лишился двух оригинальных участников, это не слишком отразилось на звучании группы, которая с полуоборота могла завести публику. Альбом до краев наполнен задором и заряжен неповторимой энергетикой большого концерта большой группы.

“Double Trouble Live” отличает исключительное мастерство исполнения и прекрасная подача. Вокалист Дэнни Джо Браун пребывает в отличной форме, с легкостью демонстрируя все особенности своего характерного голоса. Четкий, сбалансированный звук позволяет без труда уловить технические нюансы и при этом хорошо передает атмосферу концерта. Сет-лист, в который помимо собственных композиций вошел ряд каверов, вполне отображает состояние банды на тот период. К сожалению, пытаясь удержаться на плаву, Molly Hatchet испытывали острый дефицит свежих идей, самозабвенно нарезая чужие песни якобы для «усиления» своего репертуара. Крайне сомнительная практика, которая привела к тому, что следующий студийный альбом стал фактически сборником каверов и привел к распаду команды. Тем не менее, в рамках рассматриваемого концертника музыканты одинаково хорошо исполняют как чужие песни, так и свой материал, будь то отличающиеся грубоватой прямолинейностью вещи с первых альбомов, или откровенно коммерческие композиции с последнего на тот момент полноформатника “The Deed Is Done”. Кроме того, в альбом вошли два ранее не издававшихся трека, которые можно услышать только здесь - "Walk on the Side of the Angels" и "Walk With You", что существенно повышает ценность “Double Trouble Live”.

Надо сказать, что альбом производит несколько двойственное впечатление. С одной стороны, это прекрасно звучащий, по-настоящему живой альбом, в полной мере демонстрирующий все сильные стороны состава группы, максимально близкого к классическому. И с этой точки зрения “Double Trouble Live” является настоящим подарком для тех, кто ценит «еще тот» Molly Hatchet. С другой стороны вызывает вопросы обилие чужих песен в трек-листе. И если традиционные для «хэтчетов» “Dreams I’ll Never See” (The Allman Brothers Band) и “Free Bird” (Lynyrd Skynyrd), смотрятся уместно и вполне соответствуют идеологии группы, то остальные вещи являются явной попыткой быть в тренде и довольно чужды самому духу флоридцев. Сами музыканты подобные вещи писать так и не научились, что говорит о многом. Тем не менее, качественная реализация, исключительная харизма звучания Hatchet и естественный драйв позволяют рассматривать “Double Trouble Live” как весьма сильную запись, позволяющую с головой окунуться в атмосферу концерта. Да и, в конце концов, несмотря на достаточно пеструю подборку, на альбоме попросту нет плохих песен.

Alias  21 дек 2015

Molly Hatchet всегда были на 100% концертной группой, и “Locked and Loaded” служит тому ярким подтверждением. Учитывая, что именно в Германии творчество группы в конце 90-х оказалось очень востребованным, и по словам самих же музыкантов эта страна стала для них вторым домом, все представленные на альбоме песни были записаны во время немецкой части тура. Концертник оказался чрезвычайно удачным и даже попал в европейские музыкальные чарты, что для концертного альбома (да еще и двойного) является большой редкостью. Однако учитывая представленный на альбоме сильнейший материал, успех “Locked and Loaded” видится вполне закономерным. Эта работа обладает всеми характеристиками, которыми должен обладать идеальный концертный альбом: мощный звук, драйв, великолепная подача, сильный и разнообразный, харизматичный материал, а также ярко выраженный эффект присутствия. Основой всего этого великолепия является сверкающая как ограненный алмаз гитара Бобби Ингрэма, который с видимым удовольствием буквально купается в концертной атмосфере, а также «жирный» рев Фила МакКормака. Именно эти двое, являясь основным творческим локомотивом, определили звучание всех альбомов Molly Hatchet, начиная с 1996 года.

Несомненным плюсом альбома является сбалансированный, грамотно составленный, разнообразный трек-лист, почти в равных пропорциях охватывающий как старую классику группы, так и наиболее актуальный на момент записи материал. Здесь вы услышите и бодрые южные рок-н-роллы, и металлический кач, и продолжительные эпические композиции, и даже удалой кантри “Gipsy Trail” – абсолютно все, что может предложить Molly Hatchet. Кстати, в виде интро к “Dreams I’ll Never See” на альбоме присутствует черновой вариант инструментала “Epitaph/Memories/The Great Beyond”, который позже вошел в юбилейный альбом “25th Anniversary: Best of Re-Recorded”. Столь характерный для позднего «хэтчет» плотный, густой металлический звук валит с ног своей мощью. При этом группа, как всегда, подкупает своей предельно честной прямолинейностью. Несмотря на двойной формат, благодаря упомянутым характеристикам, альбом слушается очень легко. Условным недостатком кому-то может показаться лишь то, что на альбом вошли записи с различных выступлений, а не один концерт целиком. Во всем остальном придраться особо не к чему. Вполне возможно, что “Locked and Loaded” является одним из лучших концертных альбомов в роке. Это не просто музыка, это образ жизни. И если кто-то до сих пор не знаком с группой, но очень хочет это сделать, можно смело начинать знакомство именно с этого альбома.

Alias  14 дек 2015

В честь своего 25-тилетнего юбилея Molly Hatchet решили выпустить ретроспективный сборник, охватывающий первые несколько этапов карьеры группы периода 1978-1989 гг. При этом было решено не просто надергать наиболее знаковые песни с ранних альбомов, а заново их записать в текущем составе. Песни были подобраны весьма толково, несмотря на то, что половину трек-листа можно предугадать заранее, даже не заглядывая в него: “Flirtin' with Disaster”, “Bounty Hunter”, “Gator Country” “Whiskey Man”, “Beatin' the Odds” – все это золотая классика Molly Hatchet и южного рока в целом. Присутствуют и обязательные в данном случае “Fall of the Peacemakers” и “Dreams I'll Never See” – на этом альбоме мы слышим уже их третью версию (если не считать концертники). Сделав упор на наиболее удачные ранние вещи, группа поступила абсолютно грамотно не обойдя вниманием свои менее известные работы и затронув каждый из альбомов тех лет. В подборку вошли песни даже с наименее удачных “The Deed Is Done” и “Lighting Strikes Twice”.

Что можно сказать? Не ставя перед собой цель предложить какую-то новую интерпретацию проверенных временем хитов, музыканты просто бережно смахнули пыль с классики, в меру ее освежив. Все песни сыграны практически один в один с оригиналом, только с более современным жестким звуком и с добавлением клавиш там, где их изначально не было. Лучше песни от этого не стали, надо признать. Все они и так хороши, поэтому к ним трудно что-либо добавить. Ну а “Satisfied Man” и “Goodbye to Love” выглядят даже слабее оригинала прежде всего из-за вокала. У Фила МакКормака, безусловно, мощный голос, который прекрасно подходит музыке Molly Hatchet, но для столь коммерческих номеров ему просто не хватило гибкости. Также этим песням, которые изначально были ориентированы на АОР радиостанции, не идет столь прямолинейный, грубый звук. Не обошлось все же и без сюрпризов. На альбоме присутствует две новых вещи - “25th Anniversary Song”, которая представляет из себя всего лишь коротенькую торжественную интерлюдию, предваряющую “Epitaph, Memories, The Great Beyond”. Данный меланхоличный инструментал, исполненный преимущественно на фортепиано с добавлением виолончели, звучит в совершенно нехарактерном для группы ключе и на фоне остального материала выглядит чужеродно.

В целом альбом дает достаточно полное представление о раннем творчестве группы, и сама по себе идея записать такую подборку, на мой взгляд, весьма удачна. Жаль только, что к записи не привлекли в качестве гостей хоть кого-то из оригинального состава Hatchet. Уверен, что альбом от этого бы только выиграл, пусть даже лишь сугубо с моральной точки зрения. Тем более, что, как это ни парадоксально, никто из музыкантов, участвовавших в записи, не имеет никакого отношения к львиной доле исполненного материала, который был написан совершенно другими людьми, с именами которых у многих фанатов до сих пор ассоциируется имя Molly Hatchet. Да и вообще, казавшийся столь надежным состав сразу после альбома “Kingdom of XII” посыпался как карточный домик, и к записи своего юбилейного релиза группа подошла с ровно наполовину обновленным лайн-апом, который продержался совсем недолго и не успел больше записать ни одного альбома. Именно поэтому новые музыканты воспринимаются скорее в роли сессионщиков. Но, как бы то ни было, “25th Anniversary: Best of Re-Recorded” хоть и не добавил ничего нового к имени Molly Hatchet, но лишний раз освежил в памяти те славные дни, когда в жарком горниле южного рока ковалось наследие группы, ставшее впоследствии легендарным.

Alias  10 дек 2015

Начало «нулевых» выдалось для Molly Hatchet достаточно насыщенным на события. Группа отметила 25-тилетний юбилей, заново записав свои классические хиты, выпустила очень успешный двойной концертный альбом и DVD, откатала серию туров, попутно решая кадровые проблемы. К 2005 году состав наконец стабилизировался и, что самое главное, в группу после почти 20-тилетнего отсутствия вернулся один из ее основателей Дэйв Хлабек – невероятно вдохновляющее событие для старых фэнов Hatchet. К сожалению 2005 год принес и печальные известия о смерти оригинального вокалиста группы Дэнни Джо Брауна…

Поскольку последний полноформатник Molly Hatchet вышел аж в 2000 году, было интересно, как будет звучать группа на новом альбоме. Особенно с учетом обновленного лайн-апа и возвращения Хлабека, что на фоне выпуска в 2003 году перезаписанного классического материала наводило на размышления, что группа может удариться в ностальгию и попытается записать вторую часть столь успешного когда-то “Flirtin’ With Disaster”. К счастью, Molly Hatchet не стали повторяться, и на “Warriors of the Rainbow Bridge” группа заметно обновила свое звучание. Гитары стали заметно выше, более резкими и отчасти даже «мясными». Такой звук пришелся бы впору и для трэша, как это ни странно. Кроме того, объемное звучание стало максимально приближено к концертному. Изменилась и подача материала. Если на последних трех альбомах многие песни строились вокруг мелодичных лид-гитар, то теперь большинство композиций построены на основе резких, массивных риффов, а солирование стало более сдержанным. На этом альбоме Molly Hatchet добились максимального сплава традиционного южного рока и металла, вследствие чего отделить один элемент от другого становится крайне затруднительно.

Надо отдать должное, что хоть вернувшийся Хлабек и не участвовал в написании материала, все же ему вполне удалось вернуть часть былой атмосферы, что особенно ярко проявилось в таких классных вещах, как “Son of the South”, “Moonlight Dancin' on the Bayou” и “Get in the Game”, которые живо напоминают о первых двух альбомах Hatchet. При этом, временами делая реверанс в сторону классического наследия группы, альбом полон свежих идей и далек от явных самоповторов. Чего стоит одна только “Flames Are Burning”, которая, начинаясь с сокрушительного риффа, ненадолго входит в балладное русло, вырулив из которого в своей кульминации вплотную приближается к европейскому пауэру! Скоростная “I'm Ready for You”, в основе которой заложен пронзительный хард-роковый рифф, также представляет из себя удивительно органичный микс из традиционного рока и металла. Эмоциональная заглавная вещь (посвящена умершей жене лидера «хэтчетов» Бобби Ингрэма) едва ли не единственная на альбоме, которую можно назвать прямым продолжением того, что группа делала на трех предыдущих альбомах. В общем, достойная работа от классиков южного рока, наполненная драйвом и хулиганской удалью.

К сожалению, досадной ложкой дегтя на этом альбоме является заметно севший вокал Фила МакКормака, который порой теряется на фоне столь мощного звучания, звуча плоско и безжизненно. Это конечно, разочаровывает и несколько смазывает впечатление от альбома. Тем не менее, несмотря на этот досадный аспект, “Warriors of the Rainbow Bridge” показал, что группа не теряет хорошую творческую форму и, несмотря на консервативность, ей все время удается предлагать новые идеи в рамках жанра и своего творчества.

Alias   9 дек 2015

Выпустив два сильнейших альбома подряд после своего возвращения в 1996 году, Molly Hatchet доказали, что у них есть достаточный потенциал для дальнейшей работы, а также уверенность следовать избранным музыкальным курсом. Особый отклик творчество группы получило почему-то в Германии. Что удивительно, учитывая отнюдь не европейскую специфику музыки Molly Hatchet, настоянную на реалиях и музыкальных традициях американского юга. Подобное положение вещей музыкантов вполне устраивало, поэтому, имея на руках хороший контракт с немецким лейблом SPV, для записи следующего альбома южане вновь отправились в Karo Studios, где были записаны две предыдущие работы.

На “Kingdom of XII” «хэтчеты» решили несколько сбавить обороты и музыку отличает более расслабленная, вальяжная манера игры. На этом альбоме группа в большей степени приблизилась к традициям южного рока, чем на работах 90-х. Непритязательные прилипчивые мотивы, отдающие кабацким душком, доминируют в большинстве номеров. Тем не менее, несмотря на желание уйти от пафосности предыдущих альбомов, Molly Hatchet вновь попытались хотя бы частично использовать творческую формулу, столь удачно найденную на “Devil’s Canyon” и “Silent Reign of Heroes”. К сожалению, на упомянутых альбомах оригинальность этой формулы была уже исчерпана, и на “Kingdom of XII” такой подход стал выглядеть откровенным самокопированием, в музыке ощущается шаблонность и предсказуемость. В первую очередь это проявилось в построении альбома и структуре отдельных композиций – все как обычно: качевая открывашка "Heart of the USA", очередной развернутый эпик "One Last Ride", еще одна баллада "Turn My Back on Yesterday", целиком и полностью идентичная медлякам с предыдущих двух альбомов, парочка чисто металлических боевичков "White Lightning" и "Kickstart to Freedom", и напоследок акустический кавер на собственную программную песню – на этот раз была выбрана “Edge of Sundown” с сольного альбома Дэнни Джо Брауна – вокалиста оригинального состава Molly Hatchet. Должен признать, именно эта вещь получилась наиболее удачной в серии подобных композиций. Минимальные изменения коснулись и звука – все тот же плотный, мускулистый саунд, который мы уже слышали на альбомах 90-х. Даже замена барабанщика нисколько не отразилась на звучании.

Тем не менее, несмотря на упомянутый самоплагиат, писать классные песни группа отнюдь не разучилась и на альбоме присутствует ряд очень удачных композиций, которые смело можно записать в золотой фонд Hatchet. Чего стоит одна только "One Last Ride" – добротная вещь с традиционными гитарными запилами Бобби Ингрэма, пронизанная вестерн-колоритом и байкерской дорожной романтикой. Стоит отдельно выделить "Gypsy Trail" и "Angel in Dixie", исполненные в кантри-ключе. Не думайте, что это какая-то унылая жвачка в духе профильных радиостанций южных штатов. "Gypsy Trail" – ураганный, плясовый боевик с зажигательной скрипкой, а акустическая "Angel in Dixie", проникнутая светлой грустью, как своеобразный антипод, наоборот звучит умиротворенно и в чем-то даже ностальгично. Соответствующее настроение создают берущие за душу скрипичные партии на фоне неторопливой акустики и мягких переливов рояля. Несмотря на то, что перечисленные выше композиции позволяют с чистой совестью зачислить альбом в положительный актив группы, все же трудно не заметить вторичность представленного материала. Складывается впечатление, что понимая о необходимости развития, группа не была уверена в том, куда ей двигаться дальше. К счастью, уже на следующем альбоме Molly Hatchet уверенно выбрали дальнейший вектор развития, уйдя от шаблонов и заметно освежив свое звучание.

Alias   7 дек 2015

Выпустив чрезвычайно удачный “Devil’s Canyon”, группа неожиданно для многих вновь оказалась на коне и продемонстрировала прекрасную творческую форму. Дабы упрочить свое положение, Molly Hatchet вскоре приступили к записи следующего альбома. Учитывая успех предыдущей работы, было решено применить ту же творческую формулу, поэтому можно сказать, что “Silent Reign of Heroes” стал продолжением своего предшественника, его братом-близнецом. Сам подход к записи, композиции, аранжировке и даже структура альбома во многом идентичны “Devil’s Canyon”. Тем не менее, невзирая на столь очевидную схожесть, “Silent Reign of Heroes” получился очень удачным, звучит свежо и ничуть не уступает своему предшественнику. Это как раз тот редкий случай, когда группе удалось если и не вступить в одну реку дважды, то, по крайней мере, с одинаковым успехом дважды проделать один и тот же фокус.

Все же “Silent Reign of Heroes” имеет собственные характерные особенности в первую очередь в плане звука, который стал еще более жестким и металлическим. На этот раз помимо Калле Траппа микшировать запись был приглашен Чарли Бауэрфайнд, наиболее известный по своей работе с Helloween. Пойдя по этому пути, Molly Hatchet явно не прогадали, добившись глубокого, по-настоящему роскошного, сочного звука, который выразительно подчеркнул невероятный драйв и удивительную естественность, до краев наполняющие музыку. Великолепные композиции и классные аранжировки заложили прекрасную основу для всех перечисленных характеристик. Звуча на стыке металла и блюза, обращаясь к лучшим традициям южного рока, на “Silent Reign of Heroes” Molly Hatchet звучат до одури вдохновляюще и надирают задницы большинству металлистов всех мастей.

Как и в прошлый раз, слабых песен на альбоме нет в принципе. Все композиции звучат предельно разнообразно и не дают заскучать. Без какой-либо раскачки, уже на открывающем треке “Mississippi Moon Dog”, который задает тон всему альбому, группа во всем великолепии представила свой обновленный звук. Словно в шутку начав с расслабленного кантри, переходящего в госпелз, очень скоро музыканты взрывают это обманчивое благолепие качевым тяжеляком с обилием визжащих слайдов и прямолинейной, подобно паровому молоту ухающей ритм-секцией. Пробирает до костей! Очень хороша откровенно металлическая, выстроенная вокруг неровного хищного риффа “World of Trouble”. Звучащая основательно и «по-взрослому», чудесная баллада "Just Remember (You're the Only One)" вполне может выдавить скупую мужскую слезу. Нашлось место и для чисто кабацкого номера "Dead and Gone (Redneck Song)" – смесь жесткого буги-рока и кантри, раздираемого пронзительным слайдом Ингрэма. Из этой песни получился бы идеальный саундтрек для лихой драки в салуне, со сломанными об хребет бильярдными киями и кувыркающимися стульями.
Заглавная же композиция “Silent Reign of Heroes” представляет из себя традиционный продолжительный эпик с обилием затяжного солирования. Эта композиция, наряду с “The Journey” с предыдущей записи, также является по своей сути продолжением легендарной “Fall of the Peacemakers”. Кстати, последняя тоже присутствует на альбоме в акустической версии с выразительными штрихами симфонических аранжировок. Получилось вполне удачно. То же самое было проделано с “Dream’s I’ll Never See” на предыдущем альбоме. Как видите, альбом далек от однообразия и слушается на одном дыхании. Обращает внимание, что переливы рояля стали неотъемлемой частью музыки Molly Hatchet и, ненавязчиво звуча на заднем плане, грамотно дополняют музыку и расставляют акценты там, где это действительно нужно.

В плане текстов альбом также продолжает концепцию, заложенную на предшественнике, в отдельных композициях еще больше развивая антимилитаристскую тематику, рассуждая о судьбе мира и рассказывая о не самых лучших вещах, которые происходят в жизни. В данном контексте даже обложку с привычным фэнтезийно-героическим сюжетом можно едва ли не впервые увязать с музыкой, расценив как метафору заглавной темы альбома, которая подобна размышлению о цене побед, которая измеряется человеческими жизнями. На “Silent Reign of Heroes” окончательно сложился авторский тандем Ингрэм-МакКормак, определивший звучание всех альбомов группы после воссоединения. Как соавтор абсолютно всего материала, Бобби Ингрэм вновь проявил себя талантливым композитором, которому есть что сказать. В его стиле сочинения и игры чувствуется некое обожание той атмосферы, которую он творит своими риффами и продолжительными соло, в которых чувствуется вся знойная широта просторов американского юга. Будучи весьма подкованным в плане техники владения инструментом, Ингрэм не забывает о музыке как таковой и о том чувстве, которое наполняет музыку жизнью.

Подводя итог можно сказать, что “Silent Reign of Heroes” получился предельно целостным и сфокусированным альбомом. Не став изобретать велосипед и пойдя по пути развития уже найденного звучания, Molly Hatchet вновь выдали сильнейший альбом, сохранив свежесть и непосредственность предыдущей записи, позволив слушателю в полной мере насладиться своим новым звуком. Этим альбомом группа показала, кто является бесспорным флагманом в жанре южного рока.

Alias   2 дек 2015

Долгих семь лет понадобилось группе, чтобы выпустить этот альбом. После выхода в 1989 году крайне неудачного “Lighting Strikes Twice”, банда окончательно села на мель, объявив о распаде в 90-м. К тому времени от былой славы Molly Hatchet остались лишь далекие воспоминания. Тем не менее, уже через год Дэнни Джо Браун (вокал) и Бобби Ингрэм (гитара) решили возродить группу и набрали новых музыкантов. В итоге от оригинального состава Molly Hatchet остался только Браун. То, что в команду вновь позвали клавишника Джона Гальвина, входившего в последний студийный состав, служило слабым утешением. Тем не менее, группа потихонечку стала давать вначале отдельные концерты, потом ездить в небольшие туры и со временем приступила к написанию нового материала. К сожалению, последний оставшийся оригинальный участник Дэнни Джо Браун из-за очередного обострения диабета буквально перед самым началом записи снова был вынужден покинуть группу. Теперь уже навсегда… Учитывая, что с уходом Брауна в группе не осталось ни одного музыканта из первоначального состава Molly Hatchet, Бобби Ингрэму, который теперь стал мастермайндом проекта, пришлось оформить право на использование названия группы. Благо, никто из отцов-основателей был не против. Попутно место за микрофонной стойкой занял Фил МакКормак – обладатель достаточно мощного, специфического голоса, отдельными интонациями во многом похожего на голос самого Брауна.

Что ж, пожалуй, в определенном смысле “Devil’s Canyon” стал самым важным альбомом в карьере Molly Hatchet – альбомом, вернувшим группу из небытия. Несмотря на полностью обновленный состав (а может благодаря именно этому) Molly Hatchet вновь обрели свой собственный стиль и оригинальное звучание, которых придерживаются до сих пор. Что же было предложено слушателю на “Devil’s Canyon”? Надо отдать должное, что парни не стали заигрывать с прошлым, занимаясь самокопированием. Никакого ретро-нафталина! Вместо этого музыканты двинулись в поисках нового звука, который уместно бы смотрелся в середине нового десятилетия, сохранив при этом свои корни. Для этого американцы заручились поддержкой немецкого «металлического» продюсера Калле Траппа, на чьем счету к тому времени была работа с такими командами, как Blind Guardian, Pestilence и Destruction. Возможно, странный выбор для группы, имя которой ассоциировалось в первую очередь с южным роком. Но парни знали что делали, учитывая новое звучание, продемонстрированное на “Devil’s Canyon”. Фактически теперь группа заиграла жесткий hard ‘n’ heavy, пропитанный духом южного рока. Альбом отличают плотные гитары и мощный, насыщенный, глубокий звук. В звучании появились атмосферность и эпичность, чего ранее у команды не наблюдалось. Благодаря этому музыка обрела новый размах и дополнительное измерение. Материал “Devil’s Canyon” звучит очень целостно и при этом весьма разнообразно. На альбоме присутствует целый ряд потенциальных хитов: "Down From the Mountain", "Devil’s Canyon", "Heartless Land", "Tatanka" – убойный материал, который не может оставить равнодушным! А замечательная вальсирующая баллада "The Look In Your Eyes" прекрасно подошла бы для какого-нибудь выпускного в колледже, и прямо создана для того, чтобы стать саундтреком для голливудского фильма. "The Journey" – эпическая вещь, которая звучит как продолжение эпохальной "Fall of the Peacemakers", в свое время ставшей своеобразной заявкой на будущее новых Molly Hatchet. Хотя тогда об этом никто и не догадывался. Завершает альбом великолепная акустическая версия "Dream’s I’ll Never See" с оркестровыми аранжировками – песня в оригинале исполненная The Allman Brothers Band, которая стала одним из главных номеров Molly Hatchet еще на заре карьеры. Тот редкий случай, когда у группы получается по-хорошему «присвоить» кавер, сделав песню фактически своей. Эта вещь стала на альбоме одним из связующих звеньев с прошлым, призванным напомнить об истоках группы. Впрочем, такие увесистые рок-н-роллы, как "Come Hell Or High Water" и "Eat Your Heart Out", которые органично вписались в общую картину, также стали неплохим напоминанием о корнях группы, но не более того. Все же теперь в музыке вместо простецкого буги-рока в значительно большей степени стал преобладать блюзовый дух, что особенно хорошо чувствуется в "Never Say Never".

Бобби Ингрэм, который стал автором большей части материала, проявил себя талантливым и плодотворным композитором, а также замечательным гитаристом. Именно его гитарный стиль в значительной степени определил звучание нового Molly Hatchet. И не последнюю роль в этом звучании занимают его развернутые, исполненные с чувством, продолжительные гитарные соло, которые вобрали в себя лучшие традиции южного рока и одновременно с этим обрели металлический привкус. Заметные перемены коснулись и текстов группы, которые стали намного более осмысленными и разнообразными. Отныне традиционным рок-н-рольным темам в лирике уделено совсем немного места и упор сделан на тексты, затрагивающие насущные проблемы современного мира и общества, темы борьбы и несправедливых войн, а также рассуждения о месте в жизни и в мире лирического героя. Более того, в тексте "Tatanka" была даже затронута индейская тематика, а часть текста исполнена на языке одного из индейских племен.

Альбом получился великолепным, что и говорить. “Devil’s Canyon” стал очень смелой заявкой, с учетом того, на какой невеселой ноте распалась группа в 1989, а также с учетом времени выпуска альбома на фоне коренным образом изменившегося музыкального рынка. Этой работой Molly Hatchet не только смогли возродить славное имя группы и вернуть часть своих старых фэнов, но и привлечь новых поклонников. Molly Hatchet вновь стали мощной и самодостаточной творческой единицей с огромным потенциалом собственных идей.

Alias  27 ноя 2015

На этом альбоме Molly Hatchet достигли дна своей музыкальной карьеры. Фактически рассматриваемый релиз и прикончил «хэтчет». Разочарованный неудачами, группу покидает ее основатель Дэйв Хлабек. Помимо разочарований, Дэйву надо было разбираться со своими «зависимостями». Все-таки рок-н-рольный образ жизни порой бесследно не проходит. Вместо Хлабека в группу приходит Бобби Ингрэм – протеже вокалиста Дэнни Джо Брауна, для которого Ингрэм был своим парнем. Дело в том, что после ухода из Molly Hatchet в 1980 году Браун успел замутить сольный проект The Danny Joe Brown Band, в состав которого входил Ингрэм. Поначалу Бобби себя никак не проявил – вел себя скромно, не высовываясь и слушая своих более авторитетных товарищей. Но запомните это имя, ибо именно стараниями Ингрэма группа вернется из небытия в 90-х, выдав ряд сильнейших работ.

Ну а пока вернемся к “Lighting Strikes Twice”. Поскольку предыдущий альбом “The Deed Is Done” «не выстрелил», было решено в очередной раз сменить музыкальный курс. Но если целесообразность коммерческого АОР прошлого альбома еще можно было как-то обосновать, то чем руководствовались музыканты, записывая материал “Lighting Strikes Twice”, сказать крайне сложно, поскольку представленная на альбоме смесь архаичного рок-н-ролла и поп-рока смотрелась в 1989 году по меньшей мере странно. И если отдельные песни с прошлой работы еще как-то мелькали в хит-парадах, то новая запись провалилась с оглушительным треском и оказалась никому не нужной, несмотря на то, что на ней все же присутствует ряд чрезвычайно приятных уху поп-рок песен – The Big Payback, I Can’t Be Watching You и Hide Your Heart, исполненных в духе предыдущего альбома. Тем не менее, все это было похоже на агонию. Вновь напичкав альбом чужими песнями, Molly Hatchet окончательно утратили собственное лицо и превратились в кавер-бэнд. Та же слащавая Hide Your Heart, на которую наверняка была сделана ставка, оказалась песней… Бонни Тайлер (!!!) Кстати, в том же 1989 году свою версию этой вещи представили Kiss (альбом “Hot In The Shade”). Их версия получилась намного лучше. Тем более, что оригинальный вариант песни был написан Полом Стэнли в соавторстве со знаменитым хитмейкером и продюсером 80-х Дэзмондом Чайлдом.

Уж не знаю, кого Molly Hatchet хотели привлечь этим альбомом, но в итоге распугали последних лояльных фэнов. В 1989 году группа напоминала нарумяненную молодящуюся старуху, и как творческая единица вконец выдохлась. Усталость чувствовалась во всем – в аранжировках, в звучании, в заметно подсевшем, безжизненном голосе вокалиста, в отсутствии собственных идей. Тот драйв, который отличал более ранние альбомы группы ушел безвозвратно. Осталась только красивая обложка и некогда легендарное название…

Alias  25 ноя 2015

К середине 80-х карьера Molly Hatchet окончательно вошла в крутой штопор. Сразу после выхода альбома “No Guts… No Glory” состав покидает один из основателей группы Стив Холланд. После его ухода было решено не искать третьего гитариста, и вместо ушедшего Холланда в состав приняли клавишника Джона Гальвина, который в качестве сессионщика уже участвовал в записи предыдущего альбома. Также, взамен ушедшего Барри Бордена в группу вернулся оригинальный барабанщик Брюс Крамп. Укомплектовав состав, Molly Hatchet вновь обратились к сакраментальному вопросу «что делать?» Создается впечатление, что в этот период группа просто утратила свой путь и поэтому шарахалась из одной крайности в другую. Если на “No Guts… No Glory” хотели вернуться к корням и стать максимально аутентичными, то впоследствии возобладал коммерческий уклон, который наметился на двух предыдущих работах. И ярким подтверждением тому служит альбом “The Deed Is Done”.

Перед записью Дэйв Хлабек настоял на том, что нужно идти в ногу со временем и продвигать в массы столь популярный в 80-х коммерческий мелодичный рок, подходящий под радиоформат (пресловутый АОР). Получилось, надо признать, не очень. Открывающая альбом "Satisfied Man" сразу же в полной мере демонстрирует слушателю новое звучание Molly Hatchet, не имеющее совершенно ничего общего с прошлыми альбомами. Теперь апологеты южного рока заиграли стандартный поп-рок с сильным влиянием набирающего тогда популярность глэма. Густой, чуть глуховатый гитарный звук, гулкие барабаны, моднейшие вязкие клавиши и стадионные распевки в припевах – именно на это была сделана ставка. Я даже скажу, что такие вещи, как та же "Satisfied Man", или "She Does She Does" с лихим саксофоном, можно вполне назвать удачными. О старых работах напоминает лишь парочка не самых удачных рок-н-роллов "Heartbreak Radio" и "I Ain't Got You", которых вполне могло бы и не быть. Кто бы мог подумать, что старый увалень Дэнни Джо Браун так легко освоится в новом амплуа – значительно изменив манеру вокала, он довольно органично вписался в новый саунд группы.

Все это могло выглядеть отнюдь не плохо, если бы не одно «но». Molly Hatchet в принципе выдали неплохой стафф, но вторичный и не оригинальный. Группа чувствовала себя явно не в своей тарелке, поскольку пришла совершенно из другого музыкального измерения. И если в свое время это был самобытный и самодостаточный коллектив, то теперь «хэтчеты» превратились в обычных последователей. Да и не умели парни писать поп-рок. Больше половины композиций альбома чужого авторства. В итоге “The Deed Is Done” попросту «не пошел». Группа лихо приземлилась аккурат меж двух стульев. Старые поклонники просто не поняли и не приняли подобный маневр, а у нового поколения были свои герои, которые к тому же играли более оригинальную музыку.

Alias  19 ноя 2015

В начале 80-х популярность Molly Hatchet стала заметно снижаться, начались серьезные проблемы с составом. Группу покидают бас-гитарист Баннер Томас и барабанщик Брюс Крамп, а также Джимми Фаррар, чей вокал во многом определил звучание последних двух альбомов. Тем не менее, имя Molly Hatchet пока еще было достаточным авторитетным, чтобы можно было без особого труда найти замену ушедшим музыкантам, и взамен выбывших басиста и барабанщика в группу приходят Рифф Вест и Барри Борден соответственно. И если Вест оказался адекватной заменой Томасу, то новый ударник оказался на порядок слабее своего предшественника.

Поскольку взятый на “Take No Prisoners” более коммерческий курс не принес желаемых результатов, было решено сделать попытку возврата к корням. И главная ставка в этом была сделана на вернувшегося оригинального вокалиста Дэнни Джо Брауна. К сожалению, его участие в записи не стало залогом успеха. “No Guts… No Glory” получился очень неровной работой, вызывающей противоречивые впечатления. С одной стороны, вроде бы вернув обратно все свои фирменные особенности, группа все же решила пойти на компромисс и оставила в саунде коммерческий душок, присущий предыдущему альбому. Честно говоря, получилось невнятно. В 1983 году такая смесь южного рока и коммерческого харда выглядела неуклюже. Местами все это было похоже на откровенное самокопирование в стремлении сыграть на чувствах старых фанатов. Наличие в трек-листе сразу двух каверов (совершенно попсовых авторов, имя которых сегодня никому ровным счетом ничего не скажет) намекает на кризис собственных идей. По крайней мере, "Kinda Like Love" хоть и не вписывается в репертуар Molly Hatchet, но оставляет приятное впечатление. Хорошая поп-рок вещь, хотя и далеко не шедевр. А вот бодрая "What's It Gonna Take?" стала странным выбором. Песня звучит вполне неплохо, но у группы таких композиций и собственного авторства достаточно. Присутствуют все же и вполне удачные номера. Например, на полной грува "Under the Gun" группе удалось сделать чрезвычайно удачный сплав из качевого рок-н-ролла и хард-рока. Действительно классная вещь! Открывающая альбом "What Does It Matter?" в контексте данной записи также хорошо ложится на слух.

Как это ни странно, на альбоме нашлось место и подлинному шедевру в лице "Fall of the Peacemakers" – вещь, которая одна вытягивает весь альбом. Эта программная композиция стала одной из самых главных песен в истории Molly Hatchet, и до сих пор стабильно входит в концертную программу. Надо сказать, что до сей поры группа такие серьезные вещи не писала в принципе. Это отражается как в музыке, так и в лирической концепции. Ранее все тексты группы представляли стандартный для такой музыки набор, вращаясь вокруг рок-н-ролла, дороги, девок, проблем с законом и пр. К "Fall of the Peacemakers" был написан философский, антивоенный текст, полный поэтических образов, совсем нехарактерных для раннего творчества группы. В музыкальном плане эпик крайне далек от простецкого рок-н-ролла и представляет из себя прекрасно аранжированную многослойную композицию – меланхоличную полубалладу, которая в своей более драйвовой части выстроена вокруг продолжительных гитарных соло, в которых гитаристы в полной мере раскрыли свой талант мелодистов и продемонстрировали прекрасный музыкальный вкус. "Fall of the Peacemakers" стала заявкой на будущее и во многом продемонстрировала, какой группа станет в середине 90-х, спустя 12 лет разброда и шатаний.

Ну а в целом, с учетом изменившихся музыкальных предпочтений, а также учитывая неровный материал, “No Guts… No Glory” оказался недостаточно востребован массовым слушателем. Альбом четко обозначил надвигающийся кризис и ознаменовал начало смутного времени, которое затянулось для группы более, чем на 10 лет.

Alias  18 ноя 2015

На “Take No Prisoners” группа продолжила двигаться курсом, начатым на “Beatin’ the Odds”, еще более сместив акцент к коммерческому хард-року, что отразилось на облегчении гитарного саунда и введении таких нехарактерных ранее элементов, как партии духовых и женский вокал. И хотя, несмотря на эти нововведения, альбому не удалось достигнуть успеха своих предшественников, работа все же получилась вполне удачной, сумев забраться в чартах Billboard на 36 место. “Take No Prisoners” вышел весьма сбалансированной работой, а мощный голос Джимми Фаррара, для которого этот альбом стала последним в составе Molly Hatchet, вновь придал звучанию дополнительную глубину.

Открывающий трек "Bloody Reunion", отчасти продолжая традицию первых работ группы, пестрит хардовыми интонациями в припевах и задает тон всему альбому. Настоящим украшением релиза является интерпретация известнейшего рок-н-рольного хита Литтл Ричарда, который в прочтении Molly Hatchet дает такого жару, что мама не горюй! Следует отметить, что по сравнению с “Beatin’ the Odds” типично рок-н-рольных интонаций в музыке стало больше, что делает ее в каком-то смысле более легкомысленной. Довольно примечательно, что в "Loss of Control" и "Don't Mess Around" можно услышать ноты, характерные для раннего Motörhead! И в данном случае это говорит не о плагиате, а только об общих музыкальных корнях. Как уже говорилось, альбом получился достаточно целостным, каждая композиция хороша по-своему и особо выделить какую-то одну не так уж просто. Поэтому в итоге мы имеем хороший, крепкий альбом, хотя и без особых откровений. “Take No Prisoners” завершил еще одну главу в истории Molly Hatchet, став последней действительно удачной работой группы вплоть до середины 90-х.

Не могу не упомянуть шикарную обложку авторства Бориса Валледжо, на которой художник изобразил группу, в присущей ему ироничной манере, в образе фэнтезийных героев. При всем моем уважении к Фрэнку Фразетте, эпические картины которого красовались на обложках всех предыдущих альбомов Molly Hatchet, наверное, именно на “Take No Prisoners” получилась самая стильная обложка в истории группы. Конечно, подобные пафосные сюжеты с высоты сегодняшнего дня не слишком вяжутся с содержанием музыки, но вполне соответствуют духу того времени.

Alias  18 ноя 2015

Альбом “Beatin’ the Odds” ознаменовал начало нового этапа в творчестве Molly Hatchet. К моменту записи альбома состав покинул Дэнни Джо Браун, чей узнаваемый вокал являлся одной из главных фишек группы. Жалко, конечно, но к тому времени у себя дома команда была на гребне популярности и давала около 250 концертов в год. Учитывая диабет, усугубляемый панкреатитом, которыми страдал Браун, справляться с такой нагрузкой ему было уже тяжело. Новым вокалистом стал Джимми Фаррар – обладатель мощного и достаточно самобытного голоса. По сравнению со своим предшественником, голос Джимми имел более хард-роковый уклон, что сразу же вызвало недовольный ропот в стане дай-хард фанов группы, которые поспешили обвинить своих кумиров в предательстве идеалов южного рока и продажности. Особо упертые фанаты тут же поспешили похоронить группу.

Несмотря на нытье скептиков, Molly Hatchet выдали один из сильнейших своих альбомов, который в итоге получил платиновый статус и ничуть не уступал предыдущим работам, а в чем-то даже превосходил. Дело в том, что на “Flirtin’ With Disaster” группа максимально раскрыла возможности того направления, в котором двигалась изначально. Дальше можно было лишь топтаться на месте, в очередной раз в том или ином виде переигрывая то, что было уже однажды сыграно и записано. Поэтому hard ‘n’ heavy, курсом которого двинулась группа на “Beatin’ the Odds”, заметно освежил и разнообразил звучание Molly Hatchet, позволив не растерять имеющийся потенциал. И во многом это заслуга нового вокалиста, чей прекрасно поставленный вокал замечательно вписался в обновленный саунд. Фактически, у Джимми Фаррара был лишь один недостаток – он был излишне крупным для фронтмена и не обладал грубоватой харизмой «своего в доску парня», которая была у Дэнни Джо Брауна.

В музыкальном плане “Beatin’ the Odds” на момент своего выхода стал самым разнообразным альбомом Molly Hatchet. Здесь вы найдете как традиционный материал в духе предыдущих работ, так и ряд композиций, исполненных в новом для группы ключе. Например, заглавная "Beatin’ the Odds", "Few and Far Between" и "Get Her Back" звучат вполне в духе предыдущих альбомов и представляют из себя традиционный южный рок (в трактовке Molly Hatchet, естественно). Не забыли сыграть и кавер, выбрав на этот раз "Penthouse Pauper" авторства Creedence Clearwater Revival – разухабистый рок-н-ролл с выпирающим басом; получилось вполне хорошо. Впрочем, группе всегда удавалось делать отличные каверы. Однако куда больший интерес на альбоме представляют другие композиции: например, убойная "Dead and Gone" со стойким металлическим привкусом и пробивной ртим-секцией, или хард-роковая "Double Talker". Сразу же обращают на себя внимание гитарная техника и соло, перешедшие на совершенно иной уровень в контексте представленного на альбоме материала. В плане звучания Molly Hatchet удалось сделать звук жестче, сохранив при этом характерные интонации своих первых работ.

Как оказалось, эти резкие южные парни умеют писать и проникновенные баллады, чего раньше за ними не замечалось. Эмоциональная "The Rambler" представляет из себя красивейшую вещь с огромным коммерческим потенциалом. Кроме того, именно на этой песне в полную силу раскрывается вся глубина вокала Джимми Фаррара. Бытует мнение, что как вокалист Джимми якобы уступал своему предшественнику, что совершенно не соответствует действительности. В плане техники Фаррар даже превосходит Дэнни Джо Брауна, в чем легко убедиться, послушав концертные бонусы, которые вошли в переиздание альбома 2008 года от Rock Candy Records. В общем, подводя итог можно сказать, что “Beatin’ the Odds” получился насыщенной, чрезвычайно интересной и разнообразной работой, позволившей группе двигаться дальше.

Alias  17 ноя 2015