В наши дни довольно редки случаи, когда новый альбом в дискографии какой-либо группы действительно становится её лучшим на данный момент творением. “Return to Abandoned”, несомненно, относится именно к таким. Поскольку предыдущий альбом звучал уж очень специфично, на новом релизе Khors вернулись к своему более традиционному, ориентированному на black, звуку. При этом звучание стало более глубоким и отчасти даже бархатным за счет обилия низких частот, что порой может вызвать ошибочные ассоциации с думом. Несмотря на вернувшуюся агрессию, опыт предшественника все же не проигнорирован, что отразилось, в первую очередь, в продолжительных композициях, которые могут похвастаться развернутыми структурами на фоне продуманных аранжировок. Однако, несмотря на некоторую завернутость, большинство композиций отличает ясность и определенная лаконичность, благодаря чему альбом нельзя упрекнуть в излишней затянутости. Идея клавишных соло, а также соло на акустической гитаре также получила дальнейшее развитие на описываемом альбоме, подтверждением чему служит убойное четырехминутное (!) акустическое соло в кульминационной части “The Seas Burn of Omnipotence”. Исполненное на фоне среднетемпового тяжеляка, соло подкупает своей незатейливой мелодикой и каким-то щемящим чувством грусти. Клавишные же соло рассыпаны щедрой пригоршней в большинстве композиций. Их звучание со стойким семидесятнеческим привкусом часто напоминает старый добрый Хэммонд. “Return…” также отличают более гибкие и, скажем, «маневренные» гитары, звучание которых, по сравнению с предыдущими альбомами, более раскованно. Скорее всего, причиной этого является смена гитариста, что на общем звучании группы отразилось лишь в лучшую сторону. Нельзя не отметить насколько хорошо звучит вокал, идеально вписавшись между вязкими гитарами и тягучим басом. Как для black metal, то может показаться, что он слишком гроуловый, однако, на общем фоне такой тип вокала еще более подчеркивает глубину музыки, придав ей дополнительный объем.

Несмотря на то, что “Return to Abandoned” звучит очень целостно и удивительно сбалансировано, «ровным» его назвать никак нельзя, благодаря композиционному разнообразию и динамике представленного материала, поскольку львиная доля песен обладают собственным лицом и запоминаемостью. Каждый трек продуман до мелочей, при этом, не создавая впечатления излишней отшлифованности и стерильности, а обилие мелодий заставляет изумленно приподнять бровь. В таких композициях, как “Song Of The Void”, “The Fog (…and Grief Still Moans)”, “Mysteries Cosmos” и упомянутом ранее эпике “The Seas Burn of Omnipotence” накал эмоций имеет свой пик, являясь кульминацией композиций в целом. Обращает внимание талантливая работа ударника, коему в общем звучании уделено достаточно места для демонстрации своего бесспорного мастерства. Редко где еще можно встретить столь, по-хорошему, «умные» барабаны, местами, правда, вызывающие околоджазовые ассоциации.

Что характерно, для записи альбома не потребовалось усилий звездных продюсеров в условиях супер студий. Вполне достаточно оказалось отечественных ресурсов, чего не скажешь при прослушивании, настолько мощно и (в хорошем смысле) по-европейски звучит конечный продукт. Поверьте, вы можете слушать “Return to Abandoned”, не напрягаясь от назойливой мысли, что это-де «совок». В данном случае Khors с завидным изяществом обошли все «отечественные бока», которые так часто мешают полноценному восприятию музыкального материала. Оформление оригинального американского диджипакового издания также на высоте и существенно отличается от упрощенной отечественной лицензионной версии.

Что касается стилистической принадлежности музыки, то это, несомненно, блэк с приставкой, скорее всего, pagan. Но прямых аналогий или упоминаний имен языческого культа в текстах вы не найдете, так же, как вы не найдете в музыке и фолковых элементов. Скорее передан сам языческий дух. Пожалуй, в данном аспекте творчество Khors можно сравнить с Borknagar и поздним Enslaved, однако не столько в плане стилистики, сколько в плане творческого подхода и, не побоюсь этого слова, в плане интеллектуального звучания. В целом, прямых аналогий привести нет возможности, поскольку Khors выработали свой стиль, который нашел окончательное закрепление на этой работе. Здесь вы услышите от каждого предыдущего альбома группы понемногу. Однако это не самоплагиат, а свежая интерпретация пройденного материала. Если дебютный альбом грешил неопределенностью в звучании, то в следующем, “Cold”, путь был найден. Далее, “Mysticism” стал своеобразным экспериментом, как будто группа исследовала пределы своих возможностей. “Return to Abandoned” же являет собой идеальную и сбалансированную квинтэссенцию всех ранее обретенных находок. В итоге, мы имеем самую сильную на сегодняшний день работу харьковчан, обозначившую новый стандарт качества для отечественных групп, одновременно с этим выгодно отличаясь своей оригинальностью от многих западных коллег. Так держать!

Alias  18 авг 2011

На сегодняшний день “Mysticism” является самой неоднозначной работой Khors. Не в плане качества представленной музыки, но в плане звучания, имеющего довольно существенные отличия по сравнению с двумя предыдущими альбомами. Помимо поставленной во главу угла мелодики, на альбоме доминирует довольно расслабленное настроение. Естественно, в адрес группы тут же посыпались упреки в излишнем смягчении звука, опопсении и попрании идеалов «истинного блэка». Однако подобные обвинения были слышны уже после выпуска “Cold”. Да и, положа руку на сердце, трудно утверждать, что Khors когда-либо играли black metal в его чистом проявлении. На самом деле придерживаясь курса, в целом ориентированного на black, Khors никогда не являлись узниками каких-либо рамок, постоянно экспериментируя и расширяя рамки жанра.

Однако перейдем, собственно, к альбому. Сразу отмечу, что он местами звучит слишком неожиданно и специфически, из-за чего порой теряется баланс между экспериментальностью и необходимой тяжестью, наличие которой все же подразумевается. В первую очередь, от своих предшественников “Mysticism” отличает своеобразное «камерное» звучание, которое, утратив значительную долю агрессии, обрело довольно хрупкий и, я бы даже сказал, «хрустальный» оттенок, на фоне чего ставшие уже традиционными гитарные соло отличает еще большая эмоциональность. При этом типично блэковый надрыв из звучания гитар, по сути, никуда не делся, будучи лишь упрятанным между многочисленными инновациями и нехарактерными для этого музыкального стиля частотами. Заметно усложнилась структура композиций, которые стали более развернутыми и разнообразными. Несмотря на возросшую сложность и определенную «навороченность» музыки, группа не утратила чувства меры, благодаря чему композиции не превращаются в нагромождение аранжировок и структур, обретая даже оттенок изысканности. Возможно, подобное ощущение вызвано постоянным присутствием клавиш, которые, несмотря на всю свою продуманность и выверенность, не доминируют над остальными инструментами, а подобно серебряным нитям воедино увязывают общее звучание. Кроме того, если гитарные соло к моменту записи “Mysticism” стали для Khors уже совершенно обычным явлением, то более чем неожиданным выглядит появление соло на акустике и клавишах.

Исполненный в более яростной манере вокал стал очередной новацией, вплотную приблизившись к гроулу на фоне столь хрупкого звучания. Достаточно прогрессивная и в целом нехарактерная для блэка ритм-секция местами удивляет неожиданными сменами ритма. Благодаря наличию умело расположенных инструментальных интерлюдий с удивительными переливами клавиш, альбом обретает оттенок некоторой концептуальности. Что характерно, упомянутые интерлюдии не являются пустыми инструменталами, призванными сыграть роль фона в переходах между основными треками, но являются самодостаточными и продуманными вещами, связывающими в неразрывное целое все иные композиции.

Под стать созерцательному настроению музыки и тексты, которые богаты на обилие абстрактных образов и пронизаны видениями, навеянными силами стихий. Что же касается стиля, то не стоит лепить избыточных нагромождений, выдумывая наиболее точное его определение. Все же, если внимательно вслушаться, то “Mysticism” это не что иное, как atmospheric black metal, только в намного более прогрессивной трактовке. Настолько прогрессивной, что порой создается впечатление, что музыканты немного перемудрили, и альбом излишне «переаранжирован», что и является виной дефициту децибел и упомянутой мягкости звучания, которое местами истончается до прозрачности.

В итоге “Mysticism” оставляет двоякое впечатление и его восприятие во многом зависит от личных предпочтений слушателя. С одной стороны, данный альбом стал не просто шагом вперед, но настоящим прорывом для Khors, подтверждением чему стал заключенный группой контракт с американским значком “Paragon rec.” С другой стороны, от высшей оценки удерживает упомянутое безудержное экспериментаторство, которое местами попросту огорошивает и производит впечатление непредвиденного маневра в сторону от основного пути развития, апогеем которого стал, все же, следующий альбом.

Alias  16 авг 2011

Заявив о себе достаточно сильной дебютной работой, Khors решили закрепить успех и сразу же приступили к записи следующего альбома, лаконично названного “Cold”. Учтя ошибки и недочеты “The Flame Of Eternity’s Decline”, к процессу записи “Cold” группа подошла ответственнее, о чем свидетельствует более четкое и сбалансированное звучание. Присутствие большего количества запоминающихся вещей также является одной из главных характеристик альбома. Несмотря на то, что местами ритм все еще срывается в свирепый бласт-бит, нельзя не отметить общее замедление темпа, а также появление в музыке некого драматичного надрыва. Кроме того, присутствует определенное противопоставление “Cold” дебютному “The Flame Of Eternity’s Decline”, что выразилось как в названии и цветовой гамме оформления релиза, так и в его звучании. При последовательном прослушивании первых двух альбомов Khors создается впечатление, что каждый из них символизирует противоборствующие силы стихий – огня и льда.

Решив сделать подход к написанию музыки более творческим, Khors продолжили начатое годом ранее внедрение в композиции гитарных соло, которые стали более продуманными, развернутыми и значительно более сочными, чем раньше. Увеличение удельной доли клавиш в музыке также не может пройти незамеченным, однако даже с учетом данной особенности трудно утверждать, что Khors стали играть black с приставкой «симфо». Скорее, в данном случае это все же atmospheric black metal, поскольку клавишные не доминируют и гитар не «забивают», работая именно на создание необходимой атмосферы, своим холодным, прозрачным звучанием напоминая лед. Во многом благодаря столь разумному использованию синтезатора “Cold” отличает отстраненно-созерцательное настроение с определенной долей холодного гнева. Ярким тому примером служит “Garnet” с характерным «ледяным» звуком синтезатора на фоне типично блэкового тремоло. Минималистичный, метрономообразный ритм в данной композиции воскрешает в памяти бурзумовский “Filosofem”. Однако более всех других композиций атмосферу безмолвной драмы, царящей в ледяной пустыне, передает “Misery” - меланхоличный и отстраненный, буквально на ходу застывающий трек.

Все вышеперечисленное в своей совокупности составляет довольно привлекательную картину, условными минусами которой могут стать лишь суховато звучащий вокал, а также наивность некоторых клавишных партий, как, например, в инструментальной интерлюдии “Whispers”. Но это уже, как говорится, дело вкуса. Подводя итог, можно отметить, что именно на данном альбоме Khors нашли собственное звучание, одновременно явив миру отличное чувство меры и мелодии, а также нежелание топтаться на месте. “Cold” является предельно честной работой, ясно показавшей, что в будущем, мы смело можем ожидать от группы еще более качественные релизы.

Alias  15 авг 2011

Группа Khors была сформирована в 2004 году Khorus’ом, который ранее пребывал в составе такого уважаемого коллектива, как Astrofaes, являясь одним из его основателей в прошлом. Вскоре новообразованная группа, в которую также вошли Helg (Runes Of Dianceht) и Khaoth (ex-Astrofaes, ex-Hate Forest), записывает свой первый альбом, озаглавленный “The Flame Of Eternity’s Decline”. Взяв за основу среднетемповый black metal норвежского образца, Khors не звучат банально, сделав упор на мелодику. Местами отдаленно напоминая Emperor времен “IX Equlibrium”, группа остается достаточно самобытной для того, чтобы избежать обвинений в плагиате как упомянутых Emperor, так и кого-либо еще. Несмотря на то, что определенная ставка в звучании сделана на клавиши, последние прописаны довольно разумно, играя роль ненавязчивой подкладки на фоне яростных гитар, которые обескураживают низкочастотным околодэтовым звучанием. Особенно силен привкус «мяса» в “Spirit Of Fury”, выстроенной вокруг ультимативного дэтового рифа. Из-за упомянутых особенностей “The Flame Of Eternity’s Decline” грешит довольно сумбурным звуком и дефицитом средних частот, что вызывает чувство неопределенности. Порой невозможно отделаться от мысли, что во время записи альбома Khors еще находились в поиске оптимального звучания. Также камень в огород ударных, поскольку звук чересчур перетянутого рабочего барабана напоминает удары по наковальне. Тем не менее, упомянутые недостатки не являются определяющими и особо не портят впечатление при прослушивании. Обладая black’овым гипнотизмом и присущей этому стилю определенной монотонностью, альбом не навевает скуку во многом благодаря умению музыкантов вовремя переключить внимание слушателя развитием музыкальных тем. Кроме того, такие композиции, как “Eyes Of Eternal Loneliness”, “Throne Of Antiquity” и “Moan Of The Grief” могут нам предложить стремительные и динамичные, а порой зловеще-минорные соло, которые весьма освежают общий колорит звучания. Исключительно англоязычная лирика носит довольно абстрактный характер и наполнена скорее впечатлениями, нежели конкретными образами.В итоге получилась весьма добротная, пусть местами и несколько ровная, но при этом основательная работа, обозначившая крепкие black metal корни группы. “The Flame Of Eternity’s Decline” не произвел эффекта разорвавшейся бомбы, но, тем не менее, стал солидной заявкой, побудившей с интересом ждать продолжения в виде следующей работы Khors.

Alias   4 авг 2011

C этого альбома начинается классический Savatage, каждый последующий диск которого становился лучше предыдущего. После довольно вялого “Fight for the Rock”, ориентированного на коммерческие радиостанции, “Hall of the Mountain King” стал для группы настоящим прорывом. Это воистину переходный альбом, впитавший агрессию первых трех дисков, и, минуя неудачный “Fight for the Rock”, обозначил путь дальнейшего развития группы, став мостиком к последовавшему в 1989 г. шедевру “Gutter Ballet”. Кроме того, на этом альбоме группа начала плодотворное сотрудничество с продюсером и музыкантом Полом О’Нилом, по сей день негласным участником Savatage, идейным вдохновителем всех последующих концептуальных альбомов коллектива.
По сравнению с предыдущими альбомами отличия на “Hall of the Mountain King” невозможно не заметить. Во-первых, вокал Джона Оливы стал значительно выше. Порой может показаться, что парень немного переусердствовал с верхами (что впоследствии негативно сказалось на здоровье его голосовых связок). Однако умение вокалиста с откровенного рыка играючи забираться на едва ли не ультразвуковые верха вызывает восхищение. Не каждый способен так владеть своим голосом. Во-вторых, в музыке стали явно прослеживаться элементы классики. Вплоть до аранжировки в “Prelude to Madness” фрагмента классической оперы Э. Грига «Пер Гюнт», что было идеей упомянутого О’Нила. При этом “Hall of the Mountain King” унаследовал от своих предшественников жесткую ритм-секцию, а также глуховатое, несколько нечеткое напористое звучание, что, в общем-то, придает определенный шарм и добавляет неповторимый привкус 80-х. Одновременно данный аспект свидетельствует о том, что на момент записи альбома группа находилась в поиске своего оптимального звучания, полностью еще не осознав весь потенциал выбранного направления.
Виртуозные гитарные партии звучат напористо и отвязно как никогда ранее. Крис Олива несомненно был прирожденным гитаристом с уникальным стилем игры и чувством мелодии. Слушая альбом создается впечатление, что Крис играл не разумом, но сердцем, интуитивно чувствуя музыку и угадывая дальнейшее её развитие. Именно поэтому альбомы, записанные с Крисом, звучат столь оригинально и порой непредсказуемо, сохранив дух талантливой импровизации. Несмотря на обилие гитары, музыка не кажется перегруженной, оставаясь органичной и одновременно весьма напряженной.
Можно смело выделить мощнейшую и довольно мрачную “24 Hours Ago” с интенсивной гитарной работой, которая со старта демонстрирует качественно иной уровень, на который вышла группа. Хитовая “Strange Wings” сразу остается в уме, благодаря запоминающемуся припеву. Тревожные “Prelude to Madness/Hall of the Mountain King” с уклоном в классику явно обозначили путь дальнейшего развития Savatage. Стоит обратить внимание на коротенькую инструменталку “Last Dawn”, идея которой в будущем послужит основой для таких утонченных инструменталов, как “Silk and Still” и “Labyrinths”. Кстати, на “24 Hours Ago” и “Hall of the Mountain King” были сняты отличные клипы. Лирика пронизана ночной романтикой, фатализмом и, как в случае с “Devastation”, апокалиптическими видениями.
Несмотря на преобладание позитивных моментов, альбому присуща некоторая недосказанность, о чем свидетельствует наличие таких вещей, как “White Witch” и “Devastation”, показывающих, что группа явно находилась на творческом распутье, в полной мере не решившись следовать направлению, заданному в “Prelude to Madness/Hall of the Mountain King”. Некоторым аранжировкам, по сравнению с последовавшим через год “Gutter Ballet”, не хватает развития и завершенности. На протяжении всего звучания альбом отличается определенным контрастом между жесткими хэви-металлическими боевиками и более развернутыми композициями с мрачноватой атмосферой. Кроме того, достаточно сырое, несколько неряшливое звучание вызывает аналогии с первыми записями Savatage.
Однако с другой стороны “Hall of the Mountain King” – это на 100% искренняя работа, в которой вы не найдете ни грамма надуманности. Альбом ценен вдвойне тем, что послужил фундаментом для дальнейшего развития группы, в значительной степени определив уникальный стиль Savatage.

Alias  10 дек 2010

“Octagon” был записан буквально в течение полугода после выхода “Requiem” и в плане стилистики является продолжением последнего. Но не копией, поскольку на этот раз реверанс был сделан в сторону зверского, интенсивного трэша с незначительным уклоном в дэт. Звук стал более высоким и звонким, и на фоне кастрюльного стука ударных и гудящего баса, гитара приобрела рычащее, ржавое, немного «унитазное» звучание. Агрессивный вокал Куортона, не освободившись от хриплых воплей, стал тем не менее, более контролируемым. По сравнению с предшественником, “Octagon” ритмически более разнообразен, благодаря чему песни нельзя обвинить в однообразии. В целом альбом отличает очень погромное и напряженное настроение, граничащее с остервенением. Это 100% забой! Сюрпризом стала определенная басовая ориентированность многих песен. Порой создается впечатление, что гитары писались под партии баса, а не наоборот.
Одним из главных украшений “Octagon” являются многочисленные, продолжительные соло, которые, несмотря на определенную схожесть, звучат очень классно и в тему. Несмотря на свою прямолинейность и плосковатое звучание, музыка не утомляет. Каждая композиция подобна разрывной пуле, а все вместе – смертоносной обойме. “Octagon” спокойно надерет задницу многим дэтстерам, поскольку обладает совершенно агрессивной, анархистской сутью с четкой мотивацией. Лучшим подтверждением тому служат тексты, продолжившие тематику, начатую на “Requiem”. Только на этот раз они стали еще злее и буквально истекают ядовитым нигилизмом. Войны, социопатия, фатализм, лицемерие, конфликт личности с окружающей действительностью – вот примерный перечень тем, затрагиваемых в текстах песен, при написании которых Куортон не стеснялся употреблять нецензурные выражения. Содержание таких композиций, как "Genocide" и "Resolution Greed" самому Маэстро показалось столь экстремальным, что они не вошли в первоначальный вариант альбома.
Несмотря на довольно ровный характер альбома, каждая песня, тем не менее, имеет собственное лицо. Особо удались ухабистая “Immaculate Pinetreeroad #930”, навевающая ассоциации со Slayer. Следующая за ней “Born to Die” характерна чуть ли не ню-металлическим, сепультурообразным качовым риффом. Одной из главных находок можно смело считать минималистичную “Grey”, стержнем для которой послужил рычащий бас. А вот забойная “33 Something Wicked” с истеричным вокалом Куортона звучит на самом стыке с дэтом. Особо привлекает внимание “War Supply” – крутейший боевик, построенный на базовом ритме, который повторяет шаг военных ботинок на марше. Песня «украшена» звуками авианалёта. Закрывает альбом “Deuce” – кавер классической песни Kiss (!), которая изначально была помещена на альбом в качестве компенсации за изъятые "Genocide" и "Resolution Greed". Лучше оригинала в исполнении Куортона песня явно не стала. Наверное, так эта песня могла бы звучать в сыром демо-варианте, сыгранная в оригинале самими Kiss.
В целом, как в музыкальном, так и в текстовом плане продолжив концепцию, начатую на “Requiem”, “Octagon”, тем не менее, обогнал своего предшественника по всем параметрам и показал довольно неординарный подход к такому избитому стилю, как трэш. Классикой Bathory альбом, конечно, не стал. Во многом благодаря тенденциозности мышления большинства поклонников, для которых Bathory ассоциируется лишь с «сатанинской» и «викинговской» концепцией. Да и трэш, как музыкальный стиль, на момент выхода “Octagon” себя уже порядком поиздержал. Так что, предпосылок для легендарного статуса у альбома явно не было. Но, тем не менее, он вышел достаточно ломовым, чтобы занять достойное место в дискографии Bathory.

Alias  13 окт 2010

Отдохнув пару-тройку лет от музыки, во время записи сольника Куортон вновь обрел мотивацию к музыкальному самовыражению и усиленно занялся сочинением/записью нового материала для Bathory. Как и в случае с “Twilight of the Gods” швед отправился в профессиональную студию звукозаписи. Уверен, поклонники нервно грызли ногти в ожидании нового альбома Bathory и усиленного гадали о том, каким же курсом на этот раз двинется их кумир: то ли продолжит сочинять размашистые, эпические полотна в духе последних перед тайм-аутом альбомов, то ли вернется к концепции, характерной для более ранних блэковых релизов...
В итоге ошарашены были все, поскольку на “Requiem” как в плане звучания, так и в плане концепции предстал совершенно новый Bathory. На этот раз Куортон записал весьма прямолинейный (пожалуй, даже слишком прямолинейный) материал, исполненный в ключе остервенелого трэша с уклоном в дэт. Альбом обладает грязноватым и слегка размытым, но весьма четким и читаемым звуком. Взяв за основу звучание “Twilight of the Gods”, Куортон понизил гитары, одновременно разогнав ритм-секцию до забойного темпа, которого не знали и первые альбомы Bathory. Манера вокала отныне представляет из себя хриплые вопли, упрятанные посреди новоявленного месилова, прошитого довольно жирным басом и хлестким стуком ударных. Кстати, выстукиваемый дуболомный ритм весьма примитивен, и подобное однообразие песням на пользу явно не пошло. Большинство риффов, несмотря на довольно низкое околодэтовое звучание, имеет типично трэшевое происхождение, и они редко переходят грань, очерчивающую рамки этого стиля.
В целом, “Requiem” звучит слишком уж ровно и грешит однообразием пульсирующих риффов, которое не спасает обилие стремительных, но очень похожих друг на друга соло. Можно лишь выделить заглавную “Requiem”, начинающуюся мрачным интро, а также намного более размеренную, увесистую “War Machine” с нервным риффом, звучащим на фоне сирены воздушной тревоги. Сдержанная “Suffocate” довольно интересна своим «аккуратным» построением, близким к классическому металлу. Что касается лирики, то в “Requiem” Куортон совершенно отошел как от древнескандинавской тематики, так и от оккультно-сатанинских тем. Теперь тексты под завязку переполнены воинствующим нигилизмом, безжалостно бичуя основные социальные институты.
Несмотря на сам по себе весьма радостный факт возвращения Bathory, “Requiem” не стал новым откровением Куортона. Более того, многих он разочаровал, поскольку на тот момент большинство поклонников не смогли воспринять Bathory в новом амплуа. Но если быть внимательным, то общий настрой альбома весьма в духе песни "Crawl to Your Cross", записанной в 1989 году и выпущенной на «прощальном» сборнике “Jubileum І” двумя годами ранее. Так что, судя по всему, Куортон просто решил реализовать музыкальные амбиции, не дававшие ему покоя на протяжении нескольких лет. И в очередной раз доказал, что Bathory вне правил.

Alias  13 окт 2010

Вторая часть “Jubileum” имеет структуру, аналогичную своему собрату, и включает в себя кроме известных песен, ставших прижизненной классикой black и viking metal, редкости, услышать которые можно только на данном сборнике. За исключением, пожалуй, "The Return of the Darkness and Evil" (сырой вариант одноименной темы, вошедшей на второй альбом), вышедшей в 1984 году на компиляции "Scandinavian Metal Attack". Но учитывая, что подобный раритет вы вряд ли сегодня найдете, ценность рассматриваемого сборника неоспорима.
На момент выхода “Юбилеев” Куортон решил распрощаться с Bathory и сделать фэнам последний подарок в виде своеобразной антологии, в связи с чем среди поклонников Bathory был проведен опрос с целью выяснить, какие песни они сами считают необходимым включить в сборник. Поэтому касательно содержания второй части «Юбилея» вопросов, думаю, не возникнет. Благодаря коллективному сотрудничеству фэнов и Куортона мы получили отличную подборку песен, позволяющую оценить многогранный талант Bathory во всех его проявлениях.
Песни размещены в случайном порядке и зрелые, многоплановые композиции с последних на тот момент альбомов соседствуют с сырым и примитивным трэш-блэком ранних лет Bathory. Возможно, было бы целесообразнее включить в первую часть “Jubileum” композиции с «сатанинской» трилогии, а во вторую, соответственно, с трилогии «викинговской». Но, как бы там ни было, представленный материал и так достаточно силен, чтобы быть удобоваримым и виде этого весьма питательного «винегрета».
Украшением сборки служит такая редкость, как ранее не издававшаяся трэшевая “Burnin' Leather" (записана в октябре 1987 года), которая показывает, каким курсом мог бы двинуться Bathory после “Under the Sign…”, если бы Куортона не переклинило на древнем наследии скандинавов. Любопытно послушать и моторхэдообразную "Die in Fire" со старого демо 1983 года. Несмотря на довольно характерное звучание, присущее раннему Bathory, песне все же не хватает чернушного драматизма, проявившегося в полной мере уже на дебютном альбоме.
В общем, я бы рискнул поставить обе части “Jubileum” в один ряд с номерными альбомами Bathory, благодаря отличной выборке материала и наличию раритетов. Это отличная возможность ретроспективной оценки эволюции Куортона как музыканта и как личности. Кроме того, не стоит забывать, что все шесть первых альбомов Bathory являются неоспоримой классикой. Высшая проба!

Alias   5 окт 2010

Большинство сборников, как правило, не представляют какой-либо ценности для поклонников и годятся, в лучшем случае, для предварительного ознакомления с творчеством исполнителя. Однако, выпущенные в честь десятилетия Bathory, обе части “Jubileum” станут настоящим подарком даже для истинных фэнов, собравших все номерные альбомы Bathory.
Во-первых, все части “Jubileum” составлены под чутким руководством Куортона по результатам опроса фэнов на предмет того, какие песни они сами хотели бы услышать на сборнике. Во-вторых, на “Jubileum” вошли не издававшиеся ранее песни, услышать которые, за исключением "Sacrifice", представленной на раритетном сборнике 1984 года "Scandinavian Metal Attack", можно лишь в формате рассматриваемой компиляции. И в этом её главная ценность.
Касательно содержания диска вопросов нет, поскольку представлены все самые ударные композиции со всех выпущенных на тот момент альбомов Bathory. Перечислять их нет смысла, поскольку все они указаны в трек-листе. Особенностью компиляции является лишь то, что все песни размещены без какой бы то ни было хронологии, позволяя составить максимально полное мнение о музыке Куортона в разные периоды его творчества. Поэтому для новичка услышать, к примеру, незамысловатую протоблэковую “War” с сырого дебютника сразу после “A Fine Day to Die” может стать (не)приятной неожиданностью.
Что касается редкостей, то помимо упомянутой "Sacrifice", на диск вошли интро "Rider at the Gates of Dawn" (записано в октябре 1987 года), исполненное в духе “Odens Ride over Nordland”, а также "Crawl to Your Cross" (записана в июне 1989 года), которая, судя по всему, позаимствована с демо к так и не увидевшему свет альбому “Requiem” (не путать с “Requiem” 1994 года!). Песня сыграна в стиле жесткого трэша и напоминает скоростные вещи с “Blood, Fire, Death”. "You Don't Move Me (I Don't Give a Fuck)", взята с раннего демо, датируемого аж июнем 1983 года (!) и чертовски напоминает старый добрый Motorhead. Более глубокие корни Bathory, чем эта вещица, Вы навряд ли найдете...
В общем, если Вы фэн Bathory, то иметь данный сборник просто обязаны. Если же Вы никогда ранее не сталкивались с творчеством Bathory, то данный сборник - прекрасная возможность с ним ознакомиться!

Alias   5 окт 2010

Будучи продолжением эпохальной «викинговской» трилогии, начатой “Blood, Fire, Death” двумя годами ранее, “Hammerheart” является одним из самых значимых альбомов в дискографии Bathory, став для многих поклонников бесспорным фаворитом.
Удивительно, как вообще можно было создать столь многоплановое творение в настолько брутальных условиях, в которых проходила запись “Hammerheart”. Дело в том, что легендарная “Heavenshore studio” во все времена являлась ни чем иным, как оборудованным для записи гаражом в южном пригороде Стокгольма. Как раз во время записи “Hammerheart” в гараже производился ремонт, в результате которого лишенное звукоизоляции помещение было завалено автомобильными запчастями, пол был устлан трехфутовым слоем щебня, а для освещения служила одна-единственная настольная лампа. Более того, постоянно приходилось думать о том, чтобы при записи на пленку не попал звук соседской газонокосилки и протекающего туалета! В таких экстремальных условиях гитару порой приходилось записывать на кухне, а вокал в ванной, в процессе записи которого старина Куортон сидел на коленях для создания хорошей акустики. Исполнение партий всех инструментов взял на себя Куортон, используя драм-машину, и лишь иногда прибегая к помощи Vvornth’а.
Тенденции, заложенные на “Blood, Fire, Death”, в полной мере получили развитие в “Hammerheart” – на фоне заметного усложнения структуры композиций темп замедлился еще больше, благодаря чему продолжительность большинства песен колеблется от 6 до 10 минут. Да каких там, к черту, песен?! Теперь это не песни, а полноценные гимны. Музыка насыщена многослойными хорами и многочисленными звуковыми эффектами, которые придали ей, так сказать, историческую атмосферу. Единственное, что объединяет “Hammerheart” с его, по большей части, незамысловатыми предшественниками, это звучание, которое всё ещё напоминает о лихом трэш-блэковом прошлом Bathory.
Рождение неповторимого и самобытного духа, присущего альбому, стало возможным благодаря проявившейся тяге Куортона к усложнению композиций на фоне несколько нечеткого, грязноватого звучания гитар, подкрепленного глубокими хорами и мощными ударными. Продуманные, драматичные соло очень эмоциональны и прекрасно ложатся на неспешные риффы, стилистическую принадлежность которых определить довольно тяжело. Несмотря на значительное снижение темпа, к традиционному металлу музыку отнести сложно, поскольку звучит она чересчур драматично и местами помпезно. Наличие многочисленных хоралов и звуковых эффектов, более характерных для кинематографа, тоже не способствует этому. Как для дума, то, несмотря на низкий темп, звучанию не хватает свинцовой тяжести и низких частот. Наверное, альбом можно смело считать первым и важнейшим краеугольным камнем «викинг-метал», ознаменовавшим рождение этого стиля. Более того, это самый «викинговский» альбом Bathory среди его собратьев в лице “Blood, Fire, Death” и “Twilight of the Gods”. Что немаловажно, “Hammerheart” напрочь лишен поверхностности и наивной мультяшности, присущей многим группам данного направления. Благодаря музыкальной и лирической насыщенности, альбом раскрывает большинство граней скандинавского бытия в ту далекую эпоху.
На “Hammerheart” Куортон стал намного больше петь «чистым» голосом. Местами у него это получается недурно, но местами парень просто не тянет, поскольку голос ещё совершенно не поставлен и его спасает лишь искренность, с которой исполняются вокальные партии. Порой данный факт несколько смазывает общее впечатление от альбома. В большинстве же случаев, уйдя от экстремальной манеры, присущей ещё предыдущему альбому, вокал Куортона звучит на стыке «чистого» голоса и хриплого крика, что звучит более убедительно, чем попытки спеть исключительно «чистым» голосом.
Первая же композиция, начинаясь с гитарного перебора на фоне шума морских волн, отправляет слушателя в другое измерение, наполненное образами бороздящих неспокойное море драккаров, пустынных берегов и зарева горящих прибрежных поселений. “Shores in Flames” обладает уникальной атмосферой, с первых нот затягивая слушателя в пучину времен, чему способствует её несколько отстраненный характер звучания, а также постепенное, неспешное развитие с кульминационным соло в конце. Когда же в переходе между композициями из шума пожара на фоне рева боевых рожков викингов выплывает “Valhalla”, то возникающий при этом драматизм трудно описать – он полностью завладевает вниманием слушателя и буквально гипнотизирует его. Поверьте, пронзительные лид-гитары на фоне тревожно звучащих боевых рогов – это что-то непередаваемое! Призыв к Отцу Битв Одину в лице двухминутной “Song to Hall Up High” звучит очень проникновенно и даже трагично, вызывая неясную ностальгию. Монотонная, среднетемповая “Home of Once Brave” описывает темную сторону скандинавской природы, овеянную крыльями божественных воронов Одина. Благодаря неясному клавишному фону, который скорее угадывается, чем отчетливо слышится, тема обволакивает сознание и способна погрузить в состояние, близкое к трансу. Это не эмбиент в традиционном его понимании, но по степени воздействия на сознание композиция во многом близка этому стилю.
Но главной жемчужиной альбома является его финал в лице “One Rode to Asa Bay”, повествующей о крещении Скандинавии и написанной, по признанию самого Куортона, под впечатлением “Child in Time” Deep Purple! Если выбрать несколько ключевых песен, характеризующих творчество Bathory в разные периоды, то именно упомянутая песня войдет в их число, дав точную характеристику музыки Bathory «периода Асатру». Весьма продолжительная композиция может похвастаться навороченной структурой, и, изобилуя находками, определившими звучание «группы» в конце 80-х, подобна скорее содержательному рассказу, чем является просто эпической вещью. Благодаря снятому клипу, “One Rode to Asa Bay” является, пожалуй, самой известной композицией Bathory.
Подводя итог, можно сказать, что в 1990 году под маркой Bathory вышел очередной знаковый, ключевой для металла альбом, вновь опередивший свое время. И поныне, спустя 20 лет, многие пэган-блэковые банды в своем творчестве неустанно используют находки “Hammerheart”. Этот альбом можно превзойти только с технической точки зрения. Но никто не сможет его затмить, поскольку именно “Hammerheart” обозначил приход новой эпохи в экстремальном металле. Он был первым и по-настоящему новаторским; его можно только повторить или по-своему интерпретировать, но превзойти – вряд ли...

Alias   3 окт 2010

“Twilight of the Gods” завершил «викинговскую» трилогию Bathory. На тот момент сам создатель проекта думал, что диск станет последним для Bathory вообще, и это весьма чувствуется в общем настроении, царящем на альбоме. Отсутствует даже зловещее аутро, завершавшее в различных интерпретациях все предыдущие альбомы.
В первую очередь, я бы не стал называть “Twilight of the Gods” балладным альбомом, как это многие делают. Наличия низкого темпа ещё недостаточно для того, чтобы называть песню балладой. На самом деле, альбом отличает преобладание свинцово-давящего, буквально застывающего на ходу темпа. Здесь, в отличие от “Hammerheart”, уже нет ни малейшего намека на прошлые заслуги Bathory на ниве трэш-блэка. Только глобальные эпические полотна, с композиционным построением, близким к классическим произведениям.
За исключением “The Return…”, это первый альбом, записанный в полноценной студии, что чувствуется сразу же. Звук стал сочным, намного более плотным и напрочь лишен грязи, коей грешили все без исключения предшественники. Звучание “Twilight of the Gods” производит впечатление глыбы, монолита, если Вам угодно. Что касается стиля, то назвать его «викинг» удается с огромной натяжкой. Представленная музыка совершенно не вяжется с расхожим представлением о названном стиле. Если попытаться определить звучание более точно, то на ум приходит скорее такое определение, как эпический, депрессивный металл. Присутствующие думовые элементы больше характерны для классического дума 80-х-начала 90-х в лице Candlemass и Solitude Aeternus, чем для дэт-дума.
Альбом буквально пронизывает чувство фатальности и безысходности, уподобляя массивные композиции некому погребальному шествию. Мрачные мелодии в сопровождении исключительно «чистого» вокала украшены основательными, размеренными соло. Хотя, справедливости ради стоит отметить, что несмотря на весьма приятный и самобытный тембр, некоторые места Куортон вытягивает с трудом. Ну да ладно... Bathory всегда был вне правил. Присущие творчеству «зрелого» Bathory хоровые распевки никогда не звучали столь убедительно, как на “Twilight of the Gods”. Им отведено весьма значительное место в общем звучании, что отчасти уподобило хор отдельному, сопровождающему инструменту во многих композициях. Также отмечу весомую долю акустики, коей не столь много, сколь многозначительно и к месту она применена, еще более подчеркивая и раскрывая общее настроение альбома.
Что касается текстов, то лирика пребывает на смежной территории реальной жизни и мифологического мироощущения, ярким примером чего служит текст заглавной темы, наполненный горьким ощущением конца современного нам реального мира и побуждением к переоценке ценностей. Также хороша в плане лирики и “Under the Runes”, содержание которой совершенно не является профашистским, как многие поспешили сделать вывод в 1991 г. Нося провокационный характер, суть текста, тем не менее, заключается в стремлении отстаивать убеждения и ценности далеких предков где бы то ни было. Аналогия со Второй мировой была использована автором как намеренная провокация. Хотя никто почему-то не отметил аналогии призыва сражаться (в данном случае за свои убеждения) глубоко в океанах, на земле и воздухе, прозвучавшего из уст Черчилля, в его знаменитом спиче.
Несмотря на монолитность и целостность материала, осмелюсь, все же, выделить одноименную “Twilight of the Gods”, в обрамлении задумчивого негромкого перебора струн «не примоченной» гитары, потрясающую “Under the Runes” с финальным акустическим аккордом и свинцовую, подобную багровому закату в северном море, “Bond of Blood”. Заключительный гимн “Hammerheart” (являющийся аранжировкой опуса «Планеты» Густава Холста 1914 г.), как по мне, звучит весьма к месту. Несмотря на то, что он несколько выбивается из концепции, обладая более положительным, и даже патетическим настроем, лучший финал трудно придумать. Чтобы было понятно, приведу пример. Представьте историческую киноэпопею, которая завершается глобальной битвой с множеством смертей. Гибнут почти все. И в самом конце, над царящим опустошением встает солнце, освещая изорванные флаги, поломанные копья и поверженные тела, отражаясь в глазах немногих уцелевших. Примерно подобное впечатление оставляет гимн “Hammerheart”, подытожив прошедшую эпоху и обещая новую в неопределенном будущем. Что, впрочем, оказалось недалеким от действительности.

Alias  29 сен 2010

- Что, по-твоему, есть "true and evil" для тебя, как действительно "true&evil"-блэк-музыканта?

- Ты просто послушай “Return”, альбом BATHORY. Я все в нем понял, а многие люди не врубились до конца. Дьявол, они слушали альбом и говорили (здесь Фенриз кривляет немецкий акцент): "Што ето ест за дермо? Што ето ест за глюпы свук?" А по-моему, “Return” просто fucking great! Если тебе не нравится этот альбом, значит, тебе запрещается обсуждать со мной вопросы блэк-метала.
Из интервью с Фенризом (Darkthrone) "М"#1'1999.

Весьма безапелляционное утверждение, не правда ли? Уж сколько лет прошло, а первые альбомы Bathory по-прежнему свет (луны) в окнах темных замков «Князей хаоса», как назвали отцов-основателей блэка М. Мойнихан и Д. Седерлинд в своей весьма спорной книге...
Что ж, на волне неожиданного успеха своего нечестивого первенца, Bathory быстренько приступили к записи его преемника. Более того, группе была предоставлена невиданная дотоле роскошь – запись в профессиональной студии! По всей видимости, с помощью профессиональной звукозаписи второй альбом должен был развить и закрепить находки своего предшественника, дабы придать новое измерение музыкальному богохульству. В итоге, получился «самый злой диск на Земле», как его тут же окрестили после выхода в 1985 году. И есть отчего... Упаси Вас Сатана подумать, что «запись в профессиональной студии» стала причиной «профессионального», коммерчески обоснованного звука. Чем хуже, тем лучше! Студийные условия не очень-то значительно отразились на разгвоздяйском, жутко непричесанном звучании Bathory, лишь придав ему больше лязганья и рева, благодаря чему гитара звучит свирепо, аж усраться!
На самом деле подобный результат объясняется ни чем иным, как отсутствием студийного опыта у музыкантов, а также неумеренным употреблением алкоголя в процессе записи. В итоге, басист окончательно слетел с катушек и со свистом вылетел из состава, поставив трудягу Куортона перед необходимостью самому дописывать его партии. С барабанщиком тоже темная история, – по слухам, ударные Куортону тоже пришлось записывать в гордом одиночестве.
В общем, как бы там ни было, но в музыкальном плане альбом недалеко ушел от своего предшественника. Только в меру размазанный, колючий гитарный звук стал на порядок ниже и прибавил в жесткости, став ревущим и местами откровенно угрожающим. Зловещее интро вновь рисует нам инфернальные картины сатанинского триумфа, и понеслось... О наличии каких-либо продуманных аранжировках не стоит и предполагать, структура всех песен проста, как дважды два. Основой большинства композиций служит незатейливый ведущий скоростной рифф, пересыпанный не шибко изобретательными спидовыми соло. Скоростная, выдвинутая вперед ритм-секция, в большинстве песен все так же незамысловата, как и на дебютном альбоме, и своим глухим грохотом порой «топит» гитары. Текстовая составляющая осталась прежней – дьявольское мракобесие, возведенное в квадрат. Глотка Куортона стала более луженой, и мы впервые в истории металла можем слышать 100% блэковый, ядовито рявкающий вокал. С каким упоением он выдавливает: “…Boooorn foor Buuurniing”. Кстати, на “The Return…” наличие зловещего аутро стало уже традиционным, в различных интерпретациях завершая последующие несколько альбомов. По словам Куортона, оно имеет следующее значение: «Bathory уползает под скалу, но Bathory еще вернется». Очень логично, особенно в контексте рассматриваемого альбома.
Хотя “The Return…” звучит довольно ровно, все же стоить отметить трэшняковую “Bestial Lust” – историю нечестивого сексуального контакта с ненасытной жрицей темного культа, злющую “Reap of Evil” и гремучую “Sadist”, а также “The Return of Darkness and Evil”. Эту вещицу можно смело считать квинтэссенцией творчества Bathory на тот период времени, – скорость, ведущий бас, зловещий трэшевый рифф и наличие специальных звуковых эффектов, как то: глумливые вопли Куортона, женский крик и пропущенная задом наперед запись в начале. Классно!
Для полноты картины упомяну историю обложки с загадочной луной в облаках. Эту фотку сделал во время путешествия на остров Готланд (Швеция) ныне неведомый друг Куортона.
Подводя итог можно сказать, что “The Return…”, несомненно, имеет свои неоспоримые плюсы, однако его, в целом, позитивное восприятие во многом базируется на упомянутом свирепом звучании, компенсирующем местами излишнюю незамысловатость материала. В результате, заложенные идеи не нашли своего окончательного раскрытия. Невзирая на несомненно отличные задатки “The Return…” и его неповторимое звучание, шага вперед сделано не было. Представленный материал чересчур прямолинеен и ему не хватает завершенности. Чуть больше бы изобретательности и разнообразия – и был бы готовый шедевр. А так, сыроватая репетиция перед всесокрушающим последователем в лице “Under the Sign of the Black Mark”.

Alias  29 сен 2010

Одно из главных откровений как в истории Bathory, так и в истории металла. Еще никогда ранее образы, навеянные скандинавской мифологией, не были представлены в музыке столь рельефно. Хотя стоит отметить, что попытки использовать упомянутые образы предпринимали в далеком 1975 году ещё Jethro Tull в своей песне “Cold Wind to Walhalla”.
“Blood, Fire, Death” является водоразделом в творчестве Bathory, став первым альбомом в «трилогии Асатру» после «трилогии сатанинской». Думаю, в 1988 году для многих “die hard” фэнов Bathory выход “Blood, Fire, Death” стал культурным стрессом. Начинаясь с воистину величественного, эпического (в самом лучшем значении слова) интро, вместо привычного сверхскоростного рубилова следует АКУСТИЧЕСКОЕ вступление с ЧИСТЫМ вокалом (убей нас всех Сатана!). Наверное, многие хватали валидол и в возмущении колотили перевернутыми крестами по всем близлежащим поверхностям.
Однако не следует думать, что Куортон, начиная с этого альбома, скурвился. Это едва ли не лучшее, что выходило под маркой Bathory за всю его историю! Изменился концептуальный подход, но музыка не стала менее экстремальной, лишь (?) более обескураживающей. В то время было довольно трудно увязать воедино столь экстремальное звучание, яростный вокал и довольно сложное построение композиций. Если раньше песни выстраивалось вокруг парочки убойных риффов и скоростных соло, то теперь такие вещи как “A Fine Day to Die” и одноименная “Blood, Fire, Death”, не утратив первоначальной агрессии, включили в себя сложные аранжировки и построения, присущие классическим музыкальным произведениям. От некоторых моментов по сей день волосы встают дыбом и мороз дерет по коже.
Можно сказать, что звук гитар по сравнению с предшественником стал не таким мясистым, более трэшевым, и в чем-то даже более грязным и отвязным. Обращают на себя внимание соло, исполненные в лучших традициях первых альбомов, однако имеющие довольно «едкое» звучание. Звуча более размеренно в эпических композициях, упомянутые соло придали налет некой повествовательности. Нельзя не упомянуть и тексты, часть которых вместо сатанинской чернухи ныне обрела явно нигилистический тон с изрядной долей атеизма, а другая часть призывает к пробуждению языческого самосознания.
“Blood, Fire, Death” вобрал в себя трэш-блэковую ярость предшественников, благодаря таким традиционным темам, как “The Golden Walls of Heaven”, откровенно трэшевой “Pace ‘Till Death“, “Holocaust” (местами отдающую Slayer’овским “Hell Awaits”). В тоже время, имея в наличии продолжительные эпические композиции в лице “A Fine Day to Die” и “Blood, Fire, Death”, альбом показал направление дальнейшего развития Bathory. Это воистину переходный альбом, и, пожалуй, это единственный альбом, который может «примирить» поклонников боготворящих ранние альбомы Bathory и приверженцев более поздних эпических полотен. Эпохальная вещь.

Alias  29 сен 2010

Заключительная часть «Сатанинской трилогии», вобравшая в себя все самое лучшее от двух предшественников. Более того, материал, представленный на “Under the Sign of the Black Mark” звучит намного более завершенно и целостно. Фактически, именно этот альбом можно считать завершенной формой того, что впоследствии стало называться black metal, хотя играемый на альбоме материал, все же, представляет собой крайне яростный европейский трэш. Однако, отголоски именно этой «искаженности» и «мракобесия» мы по сей день можем слышать в творчестве многочисленных современных блэкушников. Да что там отголоски – порой откровенное цитирование! Обладай в то время Куортон материальным ресурсом и должной раскруткой, имя Bathory вполне могло бы затмить Venom.
Материал “Under the Sign...”, обрамленный неизменно зловещими интро и аутро, по сравнению с предшественниками является более продуманным и осмысленным. Структура композиций варьируется от умопомрачительно-быстрых до свинцово-размеренных. Начиная с яростной “Massacre”, большинство композиций подобны некому дьявольскому галопу – сатанинскому эквиваленту «Дикой охоты». Едва ли не главным украшением альбома несомненно является леденящая “Call from the Grave”, в середине которой на фоне размеренного ритма мы слышим гитарное соло, интерпретирующее.... похоронный марш! В “Equimanthorn” вокал Куортона на фоне меняющихся ритмов звучит совершенно остервенело. Вся тема производит впечатление адской резни. Размеренная “Enter the Eternal Fire” выделяется на фоне более скоростных композиций именно за счет своей размеренности и мистического клавишного бэкграунда, создающего сумрачное настроение. Одна из лучших вещей в истории Bathory, однозначно!
Яростное настроение на альбоме, помимо свирепого звучания, достигается подачей материала, сравнимой с одержимостью. Альбом прямо-таки переполнен безграничной циничностью и агрессией. Гитарный звук не столько тяжел, сколько искажен дисторшеном, что вкупе с гулкой ритм-секцией и стремительными, экзальтированными соло по сей день звучит устрашающе. “Under the Sign...”, несомненно, опередил свое время и по сей день для многих является вершиной как в творчестве Bathory, так и в black metal. И я соглашусь, что альбом является своеобразным стандартом и мерилом высшего качества в экстремальной музыке. Это классика.

Alias  29 сен 2010

Ознакомившись с описанием творческого пути Bathory, данным самим Куортоном, можно сделать вывод, что первый альбом Bathory стал продуктом подросткового бунта. Вряд ли, записав этот альбом, Куортон рассчитывал на какую-то отдачу и возможность продолжения проекта. И, тем не менее, записанный в репетиционной студии (читай – в гараже) в течение 16 часов альбом по сей день считается одной из отправных точек в блэке (хотя, по сути это 100% ранний трэш). Поэтому, судить о нем можно двояко – с точки зрения оказанного воздействия на последующее развитие экстремального металла, и, собственно, с точки зрения представленной музыки.
Если кто не слышал альбом, то не стоит рассчитывать, что поставив диск в проигрыватель, вы услышите 100% блэк в современном его понимании. На самом деле это ранний трэш – гибрид Motorhead, Venom, а также ранних Sodom и Kreator (последние из которых в то время только начинали репетировать, между прочим), пропущенный через слабенький аппарат, благодаря чему звук вышел достаточно жидким. От примитивной реализации буквально сводит зубы – гитары звучат слабо и местами кашеобразно, басы порой забивают верхние тональности и в целом звук грязный. Но вслушайтесь в представленный материал. Сегодня многие скептически улыбнутся, услышав первенца Bathory. Но на дворе стоял 1984 год, и в то время никто так не играл; на тот момент это было верхом экстремальности. Грязный, примитивный трэш с гиперскоростной (по меркам того времени) ритм-секцией еще никогда не звучал столь отвратительно и экстремально.
Да и чего равнять нынешние технологии с весьма скудными техническими возможностями Bathory в 1984 году, когда у Куортона и барабанов-то в установке не хватало. Не стоит забывать, что для того, чтобы пройти путь развития, необходимо с чего-то начать. И без хорошего начала не будет достойного продолжения. Так вот первый альбом Bathory именно таким началом и является. Благодаря своей искренности и непосредственности, музыка действительно цепляет и несет определенный заряд. Такие нервные треки, как “Reaper”, “Sacrifice”, “In Conspiracy with Satan” впоследствии стали визитной карточкой Bathory и исполнялись признанными мастерами блэка, авторитет которых в общеметаллическом масштабе сегодня неоспорим. Наличие интро и аутро, начиная с этого альбома, стало визитной карточкой Bathory вплоть до “Twilight of the Gods”, предполагавшимся стать последним в дискографии «группы».
Далее, если для тех же Venom сатанизм являлся не более, чем удачно эксплуатируемым экстремальным образом, своеобразной «позой», то Bathory в лице Куортона отнеслись к данному явлению намного серьезнее, сделав сатанизм на некоторое время частью своей жизни. Эту непосредственность хорошо передают тексты, изобилующие упоминанием Рогатого и описанием всяких стрррашных ритуалов, о которых сегодня можно почитать в любой соответствующей газетенке. Но на тот момент это действительно было чем-то выдающимся и экстремальным, поскольку даже Venom не пели оды Сатане с таким упоением. Да и сегодня, если отбросить скептицизм и включить фантазию, можно получить удовольствие от «нечестивости» лирического содержания. Кстати, слог используемый в текстах, весьма легок и не лишен доли изящества.
В идеологическом аспекте авторитет данного творения трудно оспаривать. Наряду с альбомами Venom, это образчик примитивного «сатанинского» металла, с соответствующей чернушной лирикой. Также, оформление альбома (позаимствованное из какого-то хоррор-журнала) дало одну из самых известных торговых марок в металле, сопоставимую опять же с Venom’овским "Black Metal". В техническом плане альбом доказал, что записывать эпохальные вещи порой удается на вполне бюджетных условиях, и дерьмовый звук вовсе не помеха для того, чтобы альбом стал классическим. Подводя итог сказанному, первый альбом Bathory – это начало, исток мощного потока, охватившего экстремальный металл в 90-х. Это не лучший альбом Bathory, но его значимость, заключающуюся в самом существовании подобной музыки в 1984 году, трудно оспорить.

Alias  27 сен 2010

Потрясающе! Можно быть полностью уверенными в том, что в 70-е Yes занимались искусством исключительно ради него самого. “Relayer” – яркое тому подтверждение. Изменения в составе не отразились на концепции группы и характерном высоком звучании. Новый клавишник прекрасно вписался в коллектив, играя партии, отлично сочетающиеся с гитарой Стива Хоу. Возможно, от Рика Уэйкмана Патрика Мораца отличает более атмосферное, обволакивающее звучание.
Как по мне, то к данному альбому можно смело применить название более раннего шедевра Yes “Close to the Edge”, поскольку это игра действительно на грани человеческих возможностей. Запредельный уровень владения инструментами – это то, что лежит на поверхности. Однако почувствуйте помимо этого глубину музыкального мышления и уровень аранжировок. По меньшей мере, “Relayer” звучит эксцентрично и является одним из лучших образцов арт-рока за всю его историю, не говоря о том, что это один из сильнейших альбомов Yes.
Не хочу показаться пристрастным, но несмотря на обилие в творчестве группы продолжительных тем, “Gates of Delirium” может смело претендовать на звание самой навороченной из них! Начинаясь с безграничного, буквально лучащегося позитива, композиция на протяжении более чем двадцатиминутного звучания увлекает нас в безумное путешествие, местами подобное холодному душу. Неожиданные смены ритма и в целом совершенно психопатическая ритм-секция порой просто обескураживают, заставляя нервно дергаться. И хотя в целом творчество группы характеризует позитивный настрой, “Gates of Delirium” местами кажется совершенно нездоровой и отнюдь не доброй, имея во второй половине звучания нечто вроде катарсиса, который является облегчением после чрезвычайно напряженной темы.
“Sound Chaser” - вещь не столь напряженная, однако начинаясь совершенно «неврастенически» и выстраиваясь вокруг достаточно «нервной» ритм-секции, скучать не позволяет, хотя характерна более позитивным звучанием по сравнению с предшественницей и экспрессивным гитарным соло С. Хоу. Как по мне, так вещица имеет явно джазовое происхождение. Грубо говоря, большинство даже современных музыкантов попросту охренело бы, попытавшись исполнить“Sound Chaser”.
Заключительную “To Be Over”, по-видимому, не зря поместили именно в конце альбома, поскольку, обладая довольно умиротворяющим звучанием, композиция словно дает слушателю возможность осознать произошедшее ранее. Конечно же, представленная на альбоме музыка непроста для восприятия, довольна сложна для понимания обыденным слушателем и подобна чрезвычайно насыщенной приправе, к которой необходимо привыкнуть. Но если уж Вы распробовали это блюдо, то оно непременно станет одним из любимых блюд в Вашем музыкальном меню. Кто сказал, что легкие пути самые лучшие?

Alias  27 сен 2010

«Эй, какого хрена? Там что, кто-то диск перепутал? За кого вы меня принимаете? Какой, на хрен, Finntroll?!» - примерно такая реакция была у многих при первом прослушивании "Visor Om Slutet".
Действительно, весьма неожиданная и неоднозначная работа группы даже по сегодняшним меркам. Уверен, в силу упомянутой неожиданности данный альбом у многих вызвал отторжение при первом прослушивании. Довольно смелым решением было выпустить после новаторского "Jaktens Tid" подобную работу, звучащую на стыке акустического фолька и «болотного» эмбиента. Пожалуй, группа сама не до конца была уверена в правильности принятого решения, чем, наверное, и объясняется малая продолжительность звучания.
Однако, при ближайшем рассмотрении представленный материал звучит интересно. Finntroll не стали идти по пути обычного эмбиента. Не стали они записывать и просто акустический альбом, а выдали нам свою интерпретацию упомянутых компонентов, объединив их в единое целое. Что касается непосредственно эмбиента, то здесь он присутствует практически в ключевом своем понимании и представлен в виде всевозможных кваканий, чваканий, карканий и болотных шорохов, записанных на давящем фоне. Что касается акустики, то здесь она варьируется от шаманских завываний на фоне первобытной перкуссии до средневековых саундтреков в вперемежку с удалыми плясками, проникнутых сельским духом. Нашлось место и для помпезных симфонических аранжировок. Что немаловажно, все композиции звучат неразрывно, плавно перетекая друг в друга, что придает альбому некую концептуальность звучания и порой напоминает зарисовки с натуры. Общее настроение весьма сумрачное – альбом буквально сочится потусторонним, сумеречным болотным духом, который убедительно передает обложка, как всегда рисованная Skrymer’ом.
Тем не менее, несмотря на неоспоримые достоинства, "Visor Om Slutet" звучит несколько незавершенно в силу упомянутой непродолжительности, а также преобладания общей атмосферы над музыкой, коей все же «маловато». Возможно, если бы не трагическая смерть одного из основателей Finntroll – гитариста Сомниума, у ребят было бы больше смелости в реализации данного замысла. Лично меня по сей день терзает чувство некой недосказанности, связанной с этим альбомом.

Alias   7 май 2010

Ай да финны! Ай да сукины дети! Это ж надо такой шедевр забабахать! Вот вам тот редкий случай, когда несколько треков продолжительностью в 17 с лишним минут стоят целого альбома. Каждая песня – потенциальный хит, начиная с заглавной «Trollhammaren», которая нынче ассоциируется с Finntroll также, как «The Number of the Beast» c Iron Maiden. Все песни обладают практически сходной убойной силой, являя нам изобретательность «Jaktens Tid», помноженную на свирепую мощь «Nattfodd». В принципе, считайте, что это бонус к последнему и прекрасный срез творчества группы на тот период бытия. Это не самоповтор, а отработанный фирменный стиль. Особо выделю «Forsvinn Du Som Lyser», ранее сыгранную в акустике на «Visor Om Sluttet». В новой трактовке песня превратилась в сногсшибательный, скоростной номер, подобный безумной пляске троллей. А чего стоит «Hel Vete» со стойким кабацким привкусом?! Да и вообще, весь EP проносится дикой охотой Оскорея, оставляя после себя резонный вопрос: «Что это было?». Действительно, подобрать верное определение стиля, в котором сыграны песни можно с трудом, поскольку формулировка folk-black не даст четкого представления о том, что творится на диске. Все же вернее всего назвать представленное безобразие просто folk metal.
У данного ЕР есть лишь один недостаток, заключающий в его малой продолжительности. Одного прослушивания будет явно маловато! Идеальная работа для знакомства с творчеством группы.

Alias   5 май 2010

Честно говоря, своим новым альбомом "Тролли" особо не удивили. Поскольку самой группой анонсировалось нечто грандиозное, я ожидал получить альбом, по крайней мере, уровня "Nattfodd". Однако, в целом новый альбом звучит слишком ровно, чтобы вызывать бурю эмоций. Это все тот же Finntroll, однако в музыке местами явно прослеживается эпичность Moonsorrow вкупе с нехилой симфоничностью, что ранее для группы было, в общем-то, нехарактерно. Также в весьма четком и грамотном звучании ощутимо увеличилась доля блэка, в связи с чем можно провести параллели с дебютным "Midnattens Widunder". Звучание же фольклорных инструментов, в частности аккордеона, ставшего в свое время своеобразной визиткой группы, сведено к минимуму. Безусловно, присутствует довольно сильный материал в лице “Solsagan”, “Den Frusna Munnen” и “Mot Skuggorans Varld”. В наличии даже акустическая вещь в духе "Visor Оm Slutet". Но запоминающиеся, разухабистые песни вроде того же “Trollhammaren” или “Jaktens Tid”, похоже, безвозвратно ушли в прошлое. По крайней мере, несмотря на действительно прикольную фотосессию, играя музыку, парни стараются сохранить серьезные мины, исполняя достаточно злобный блэк-фольк. Сравнения с предшественником “Ur Jordens Djup” неизбежны.
Тексты по-прежнему пишет Катла, оставивший микрофонную стойку в группе по причине болезни. Обложка вновь нарисована гитаристом группы Skrymer’ом. Цветовой гаммой, а также дизайном оформление буклета напоминает все тот же "Nattfodd". Однако, как по мне, что касается непосредственно обложки – это самая неубедительная работа Skrymer’а, которая выигрывает лишь за счет цветовой гаммы, а не содержания. Этот парень способен на большее. Тем не менее, при прослушивании альбом отторжения не вызывает, более того, его можно легко прослушать два-три раза подряд. Кроме того, каким-то чудом "Nifelfind" попал в чарты Биллборда, что говорит о многом. Так что ждать подлинного шедевра от Finntroll будем в будущем. Они смогут.

Alias   5 май 2010

Можно считать, что в 1992 году Alice in Chains уже созрели для выступления “unplugged”. Данный ЕР представляет небольшую коллекцию песен, исполненных преимущественно на акустике, и является первым опытом группы в записи подобного материала. На тот момент подобные песни, судя по всему, выбивались из общей концепции записываемых альбомов, поэтому, наверное, и было принято решение выпустить этот ЕР. В итоге, получилась довольно привлекательная вещица, показавшая творчество группы с новой стороны, опередив на несколько лет моду на подобные вещи. Очень хороший материал, слушая который совершенно не напрягаешься. В целом незатейливая музыка звучит очень «по-американски», обладая созерцательным настроением, и прекрасно подходит к проведению вечера на закате со стаканчиком виски на террасе. Это современный американский фольк, если так можно выразиться. Подлинной жемчужиной является меланхоличная “Am I Inside”, украшенная великолепным пением Лэйна Стейли. Его удивительное владение голосом воистину завораживает. Одна из самых искренних вещей в творчестве группы. Что очень немаловажно, всем песням присуща динамика звучания. Я имею ввиду звучание тише – громче, что придает музыке разнообразие и более естественный оттенок. Это то, что в наши дни практически уничтожено студийными наворотами.
А вот так называемый бонус можно расценивать как откровенный стеб над грайндом. На фоне звуков салонного пианино мы слышим завывания вокалиста вперемежку с кашлем, харканием и пуканьем в такт музыке. В следующий момент все это срывается в сумасшедший бласт-бит на фоне голоса, пропущенного через мегафон. И все исполнено на акустике (!).
В общем, можно смело считать "Sap" прообразом великолепного "Jar of Flies", своеобразной пробой пера. Такая музыка существует вне стилистических рамок, она хороша сама по себе, без навешивания ярлыков. Еще раз убедился, насколько гранж мог быть креативен. Жаль, что у большинства этот стиль ассоциируется лишь с двумя-тремя песнями Nirvana…

Alias  27 апр 2010

Что можно сказать о “Liberty or Death”? Новым откровением от Grave Digger альбом явно не стал и оставляет после прослушивания ощущение неопределенности. С одной стороны, все традиционно качественно – плотный звук, жесткие гитары, рычащий вокал Криса Болтендаля, «упругая» ритм-секция... С другой стороны, при всем вышеперечисленном в музыке отсутствует некий огонек, чувство эмоционального подъема, ранее определявшие звучание более успешных альбомов. Возможно, виной тому подавляющее большинство среднетемповых композиций, что для Grave Digger не очень-то характерно.
Конечно, открывающая альбом одноименная его названию “Liberty or Death”, а также две следующие композиции “Ocean of Blood” и “Highland Tears” в музыкальном плане настраивают на позитивный лад. И если “Liberty or Death” подобна размышлению с соответствующим довольно глубоким настроением, то две последующие песни сыграны в лучших традициях Grave Digger. “Highland Tears” даже ненавязчиво напомнила нам о славных звуках “Tunes of War”. А вот далее следует ряд композиций по сути своей довольно скучных, за исключением, разве что, “March of the Innocent”. Видимо, музыканты попытались развить идеи заглавной песни (весьма сильной вещи), представив серию песен-размышлений на тему несправедливых войн, борьбы за свободу и прочих банальностей. В итоге, результат вышел довольно унылым и малоубедительным – альбом звучит чересчур ровно, а местами и вовсе расслабленно. Взять даже гитарные соло – по отдельности звучат довольно интересно, но при «комплексном», так сказать, прослушивании малозапоминаемы и теряются на общем фоне.
Упомянутая ранее лирика на протяжении всего альбома вертится вокруг тем революций, освободительных войн против абстрактных угнетателей, борьбы за свободу (только непонятно от чего или кого) и представляет набор банальных фраз и лозунгов. Несомненным минусом также является некий, скажем политкорректно, ближневосточный след в ряде композиций. Этот «след» основан, судя по всему, на корявых побасёнках об «избранном народе», которыми нас обильно потчует библия. Наверное, правдолюб Крис Болтендаль решил дать альбому концепцию извечной борьбы за справедливость, начиная с библейских времен, которые по некому недоразумению считаются началом ВСЕХ времен. Но лучше бы он и дальше писал о Рыцарях Круглого Стола, тамплиерах, Кольце Нибелунгов и классических ужасах. Честно. Получается это у товарища Болтендаля намного убедительнее.
Так что, до классических работ группы “Liberty or Death” явно не дотягивает. Последовавший за ним “Ballads of a Hangman” «убрал» предшественника по всем параметрам. Хотя логично рассудить, что ни одна группа ежегодно выпускать «классические» альбомы не в состоянии. Поэтому, не стоит считать, что альбом из рук вон плох. Просто еще одна качественная работа в дискографии, на фоне которой более успешные альбомы Grave Digger сморятся еще более ярко.

Alias  18 мар 2010

Ха! Я думаю многие ортодоксальные дэтстеры с выходом «Same Difference» окончательно предали Entombed вечной анафеме! Некоторые по данному поводу пену по сей день пускают. Но если к «Same Difference» подойти отвлеченно, без оглядки на «Left Hand Path» и «Clandestine», то окажется, что данный альбом – смачный кусок настоящего, раздолбайского рока, которому какие-либо стилистические рамки, в общем-то, и ни к чему. На данном альбоме шведы продолжили развивать тему, начатую еще на «Wolverine Blues». Альбом, вобрав в себя брутальный звук предшественников, построен на классических хард-роковых и гранжевых риффах вокруг ломаных ритмов и рычащего в духе Motorhead баса. В итоге получилась довольно продуманная, просто классная штука, ставшая в свое время нехилым вызовом дэтовому тренду. Звук весьма прост, и за счет простоты груб, динамичен и жесток. Правда, место гроула занял ор, подобный воплям футбольного фаната во время матча. Не сказать, что преобладают скоростные песни. Однако, несмотря на обилие среднетемповых тем, большая часть представленного материала реально «качает». Правда, ко второй половине "Same Difference" начинает звучать несколько монотонно именно за счет этого самого среднего темпа. Решив нагнать смури, ребята несколько смазали общее впечатление. Все таки, на «Same Difference» группа еще нащупывала тропу, по которой им двигаться далее, поэтому некоторые вещи звучат несколько неопределенно. Однако, наличие таких боевиков, как "Addictional King" с размытым слайдом соло, "The Supreme Good", наполненная грувом "Kick in the Head", приблюзованная "Same Difference", а также исполненная в духе позднего Exploited "What You Need" и лихая "20-20 Vision", спасает положение. Не знаю как у других, но у меня при первом прослушивании «Same Difference» возникла одна аналогия – хулиганский, брутальный рок-н-ролл. Идеальная штука для езды в машине и угарных пивных вечеринок. Довольно талантливый замес из рок-н-ролла, альтернативы, гранжа (даже обложка напоминает одноименный альбом Alice In Chains) и брутального звука.
Вывод: фанатичным дэтстерам слушать не рекомендуется. Раздолбаям-металлистам, живущим по девизом «We sold our souls to God-Rock n’ Roll» – самое оно!

Alias  18 мар 2010

Одна из самых жопопинающих вещей, которые только можно услышать в этой гребаной жизни! Угар стопроцентный! Если кратко, то это мутировавший Motorhead, построенный на грязном «шведском» звучании. Будучи верными себе в плане звука, Entombed по сравнению с предшественником, тем не менее, сделали звучание более грязным, дэтовым и нойзовым, приправив лошадиной дозой грува. В итоге звук иначе как «живым» не назовешь. Разбавив все это панком, стремительными соло и простыми, но цепляющими лид-гитарами, парни выпустили, пожалуй, лучший альбом со времен «Wolverine Blues». Именно на данном альбоме Entombed успешно завершили поиски своего нового фирменного звучания, определившего все последующие их альбомы.
В чем-то «Uprising» – это возвращение в начало 90-х с учетом, конечно, предшественника в лице «Same Difference». И если «Same Difference» ко второй половине звучания грешил неким однообразием, то «Uprising» уж точно не даст вам скучать с первой же песни, вырывающейся из колонок грязным потоком рычащего баса и рОковых гитар. Имея довольно формальное отношение к музыкальному классу под названием death, «Uprising», тем не менее, дает такого жару, что многим дэтовым бандам от обиды остается лишь расплакаться и поубивать себя.
Вообще, фантазия у парней преотменная. Не придумывая ничего принципиально нового, они изобретательно смешали в нужных пропорциях ингредиенты из вечных ценностей, присущих рок-музыке в целом. В итоге, играемая музыка звучит предельно искренне, грязно, тяжело, плотно и потно, заставляя голову непроизвольно двигаться в такт ритму. Кстати, смена ритмов на альбоме просто потрясающая. Играя порой «на прижиме», гитары словно ждут, чтобы уже в следующее мгновение сорваться в адский галоп, чтобы чуть позже снова замедлиться до гнетущего звучания в духе Black Sabbath. В результате весь альбом звучит очень разнообразно, представляя из себя коллекцию отличных песен. Специально не буду выделять ни одну из них, поскольку каждая подобна патрону в барабане револьвера.
Даже обложка, на которой Entombed вернулись к своему старому лого, в контексте представленного материала смотрится более чем логично. Именно подобная гениальная примитивность визуального образа породила такие известнейшие торговые марки, как символы Bathory, Venom и Motorhead. И если вы давно слушаете музыку, не зацикливясь на каком-то одном стиле и уважаете старые дела в духе Venom и Motorhead, то «Uprising» вас обязательно порадует. Вам непременно надо услышать альбом, чтобы понять, о чем я! И слушать такую музыку непременно ГРОМКО!
Черт, куда там подевался мой ящик пива?!!

Alias  18 мар 2010

Пожалуй, на сегодняшний день "Galgenfrist" является самым «потусторонним» творением в дискографии Nortt. Звуча на стыке эмбиента и фьюнерала, музыка Nortt на данном альбоме содержит лишь рудименты блэка, определявшего звучание более ранних работ. "Galgenfrist" отличает предельно холодное и отстраненное звучание. Представленный звуковой набор напоминает нечто среднее между похоронной процессией и медленной, угасающей, застывающей агонией, чему, помимо всего прочего, способствуют чудовищно монотонный, отдающийся мрачным эхом, медленный ритм. Музыкой, а уж тем более песнями назвать представленный материал весьма сложно. Скорее это набор леденящих потусторонних звуков и болезненных аккордов, в определенной последовательности создающих очень мощную атмосферу медленного увядания, звучащую на самой грани привычной нам реальности. "Galgenfrist" приоткрывает завесу того, о чем большинство живущих боятся даже задуматься, но, тем не менее, что ждет каждого из нас... "Galgenfrist" – это упоенное исследование состояния перехода в сумрачные пределы смерти. О какой-либо технике исполнения в данном случае говорить не приходится. Однако это и ни к чему. Мрачным ритуалом здесь всецело правит атмосфера глубокой депрессии, переданная весьма умело. Справедливости ради стоит сказать, что по сравнению со своими предшественниками "Galgenfrist" располагает значительно более «чистым», холодным звучанием и выглядит более продуманно. Так что – в самый раз...
Вряд ли подобное творение найдет широкий круг почитателей. Такая музыка всегда предназначена для исключительно ограниченного круга слушателей. Зато те, кто понимает о чем я, по достоинству оценят "Galgenfrist", надолго сделав его саундтреком своих бессонных ночей, проведенных в глубокой меланхолии. Более депрессивный материал трудно вообразить...

Alias  16 фев 2010