Да... первые десять лет музыкальной карьеры Питера Хэммилла - это скачки по ухабам и колдобинам. Парня кидает из стороны в сторону: первый альбом "Fool's Mate" (да, именно этот является хронологически первым, т.к. эти песни сочинены ещё в середине 60-х) ярок и незрел, имеет отсылки к блюзовой психоделии; "Серая Аэрозоль-машина" - творение куда более серьёзное, занимающее промежуточную позицию между радостным арт-роком и зажатым эклектик-прогом; групповые "The Least We Can Do" и "H To He" - джаз-роковые проекты, отдающие некой "глэмовостью", что ли...(не в ущерб будет сказано); "Pawn Hearts" - стихия возвышенной смерти; а вот сольник "Chameleons.." - напротив, сквозит серостью и унылостью (в ущерб будет сказано). Одним словом, PH - вечный экспериментатор, именно так он себя сразу же и зарекомендовал.

И вот, год 73-й ознаменовывается первой по-настоящему сильной сольной работой Питера. Надо сказать, что после прослушивания, неоднократно ловишь себя на мысли о противоречивости всего, что связано с этим релизом. Во-первых, альбом разбивается на чисто-Хэммилловские вещи ("Modern", "Wilhelmina", "The Lie", "Rubicon"), где идея стоит во главе и превышает по значимости музыкальное содержание и творения ВДГГ ("Forsaken Gardens", "Red Shift", "A Louse Is Not A Home"), где явственно заметны все те славные ребята, что дружно сходили с ума в 1971 г. Но вся штука-то в том, что и те, и другие композиции словно бы взаимно переплетены невидимыми нитями тревоги, ужаса, мрака. Вот ещё одно противоречие - белая обложка (но недаром же она рвётся, и этот тихий уголок зовёт, увлекает в пучину) и мрачное содержание.

И всё же здесь, за завесой полуночных страхов и гнетущей необратимости смерти, можно найти удивительное буйство жанров. В "Modern" - это, бесспорно, безжалостно-атональный авангард, а ещё панк. Да-да, посмотрите хотя бы на лирику - всё древнее кажется персонажу странным, безжизненным: рушатся города, гниют цветы, Атлантида уходит под воду, а наш герой, попав туда, сообразил вдруг, что жить он там не может, сообщая об этом жалостливым булькающим голоском. Если не панк, то, как минимум RIO здесь точно присутствует.

Что-то подобное, а именно нигилистическое настроение, можно увидеть и в довольно академичной "The Lie". Вообще, по драматизму, присущему некоторым идеям Питера, этой вещи равных мало. Хэммилл образца 73-го года не только на гитаре, но и на клавишных - монстр глубинный. Песня посвящена "Экстазу святой Терезы" скульптора Бернини. Наш герой, попадая в церковь, где царит "смрад и полумрак", понимает лживость религии, точнее того, как её преподносят. Вопящая Тереза - и есть символ этой Лжи.

Переходим к балладам. Их на данном релизе две - против шести на "Хамелеонах". Однако сократив в количестве, ПХ явно прибавил в качестве. Фортепианная "Wilhelmina" - напутствие молодой девушке Вилли, вступающей во взрослую жизнь. Даже в столь трогательной вещи нашлось место тёмным умозаключениям автора: "cruel fools" - это прозвище обращено к большинству взрослых людей. Гитарная "Rubicon" - романтическое посвящение, наполненное метафорической лирикой - произведение интересное, но всё же слабоватое (в сравнении, например с "Again" со следующего альбома).

"Red Shift"- а вот это уже спейс. Естественно, своеобразный, ничего общего с Hawkwind или Eloy. Интересен здесь вокал - мягкий, неповоротливый, словно плывущий в безвоздушном пространстве. Саксофон Джексона также придаёт звучанию причудливый оттенок - видимо он здесь с тем, чтобы вытянуть слушателя из погребальной тишины и шипящих перкуссий.

Абсолютно "генераторовские" песни - "Forsaken Gardens" и ''A Louse Is Not A Home". Первая из них более безмятежна, подошла бы по звучанию, например, к альбому 1976 года "Still Life" (кстати, по динамике и мелодичности схожа очень с заглавной песней того альбома), а вторая - эпик, словно вырванный из контекста "Pawn Hearts", чуть ли не вторая часть "Man-Erg". Здесь точно также беснуется абсолютно всё. Хэммилл в который раз возвращается к теме дома, человеческого жилища ("House With No Door", "Black Room"). В тёмном доме героя поселился "безлицый страж", наблюдающий за ним из каждого угла и вгоняющий в панику и депрессию. Он пытается сменить место проживания, но полтергейст неотрывно следует за ним по пятам. Паранойя полностью охватывает героя песни - у каждой стены ему чудится глаз или ухо, всё следит, всё давит. Одновременно, он рассуждает о жизни своих друзей, винит их в отхождении от известной английской притчи ("Мой дом - моя крепость"). Но беды продолжаются, и герой понимает, что этот тёмный, безмолвный дом, похожий на камеру - его душа. Песня заканчивается апокалиптическими размышлениями о самоуничтожении и риторическим вопросом "I?", которым задаётся и всхлипывающий (на похоронах?) саксофон.

Неровный, на первый взгляд альбом после нескольких (десятков, сотен) прослушиваний кажется абсолютно гармоничным и целостным (внешняя гармония всеобщей внутренней дисгармонии - слыхали такое?). Скорее всего, именно это даёт нам судить о третьем сольнике Питера Хэммила как о первом шедевре. Уже через год выяснится, что не последним...

Psycho_Refugee  10 май 2014

Eloy - без сомнения, одна из лучших психоделических команд всех времён и народов. В доказательство того можно привести не одну работу этих невероятных немцев, однако мне хотелось бы остановиться именно на альбоме 1977-го года - ярком и самобытном концептуальном творении "Ocean".

Что обычно представляется, когда мы слышим о таком понятии, как "space-rock"? Космическая атмосфера, создаваемая всевозможными меллотронами, чемберленами, мини-мугами и т.п.? Запредельно возвышенные гитарные запилы? Инопланетный вокал? Так вот, на этих четырёх песнях есть всё это в обилии. Но команда Борнемана пошла дальше... В то время как многие их соотечественники проторили собственный психоделический путь - краут - вытворяя нечто невообразимое с гитарой (Amon Duul II), клавишными (Popol Vuh), электроникой (Ash Ra Tempel, Neu!) и различными вводящими в транс ритмами (Can), Eloy смотрели в сторону Альбиона, где царствовал во всём великолепии прогрессив. И в то время, когда английский прог стал медленно, но верно подходить к концу, вытесняясь то джазом, то "нововолновой" музыкой, эта группа из Германии начала расти и воплощать те славные идеи, не просто вплетая отдельные спейс-элементы, а ставя в основу иноземный саунд. И вот, год 77-й, и рождён на немецкой земле воистину иноземный альбом.

Концепция сего творения - овеянный множеством мифов, слухов, легенд, вечно благодатный остров Атлантида - земля морского бога Посейдона. Жизнь божественной земли поделена на 4 части:

"Poseidon's Creation" - зачатие, точнее, зарождение жизни. Эту красивую историю зачинают две гитары - нежная, атмосферная и пульсирующий бас. На протяжении "присказки" они словно соревнуются, сплетаясь в возвышающую мелодию, сопровождаемую довольно резвыми ударными и синтезаторами. Франк Борнеманн в необычно-прерывистой, но трогательной манере рассказывает о том, что был у Посейдона остров, красоты невиданной, бережно хранимый от чужого глаза строгим хозяином. И жила на том острове семья, и была у них дочь кроткая, да красоты непорочной, и звали её Клеито. И влюбился бог суровых морей, и возвёл ей храм высоко в горах, и родила она ему (здесь - вышибающий последнее из головы припев) 10 сыновей, и стали они первыми Людьми. (Люди с большой буквы, потому что в тексте явно выдержана мысль о человеке-венце творения, т.е. словно бы это богочеловеки, в официальной мифологии - первые правители Атлантиды.) По завершении этой части рассказа - парящее между планетами соло.

"Incarnation of the Logos" - пришествие Разума. Из наполненной светом вечнозелёной Атлантиды нас вдруг переносят во вселенскую пустоту (ведь space, изначально - пустота), где нет ни неба, ни земли, ни волн (и типичное лёгкое гудение это подчёркивает) - "complete emptiness..." С чего бы это? Однако дальше становится понятно - нас перенесли не только в пространстве, но и во времени - назад, в безлюдный мир. В тот момент, когда Творец, которому, видимо, надоела статичная неменяющаяся вселенная, решил населить её тварями разумными, добавив: "плодитесь и размножайтесь...". Музыка медленно, но верно набирает ритм, буквально взрываясь к концу (вокал здесь с ней за одно - почти сливается). Да, и здесь, поначалу, снова - восхищение antropos, однако просматривается в тексте и обратная тема - циничность и беспощадность человека. Засим переходим к следующей части.

"Decay of the Logos" - самоуничтожение Разума. Начало куда более ритмичное и приземлённое, песня растёт на рваном ритме, будто на нервах... Лирика из восторженно-описательной трансформируется в иронично-изобличительную. Человек теперь - предмет бичевания, обитель грехов - жестокость, циничность, страх. Одновременно, Борнеман словно предупреждает о том, к чему может привести порочная жизнь - человечество вот-вот окончит свой век... Насмешливые выкрики дополняет эффект широкого эха (снова к пустоте?). Воистину, мы "все играем с жизнью".

"Atlantis' Agony at June 5th - 8498, 13 p.m. Gregorian Earthtime" - агония, конец. Из недр пустоты слышится тихая речь, отдающая эхом. Это Боги, разгневанные, выносят свой приговор, посылая на землю катастрофу. Композиция, подобно второй, медленно нарастает в ритме, однако возрастает и напряжённость. Перед нами разворачивается драматическая картина кончины чудесного острова - разверзлись полные гнева багровые небеса, появляютяся четыре тёмных духа - Земли, Луны, Венеры, Солнца; и забрасывают Землю жидким огнём. Надрывный вокал всё того же Франка Борнемана считает последние мгновения жизни Атлантиды... всё. Атлантида стала частью Океана, её жители - вечными рабами Посейдона. Фатальное пульсирующее вибрато вместо занавеса.

Вот такое вот, насквозь пронизанное космической и стихийной тематикой, творение. По напряжению, создаваемому музыкой, он напоминает лично мне флойдовских "Животных" (того же года, кстати - ну, и кто на кого повлиял?). Как бы там ни было, столь продуманных и в музыкальном, и в лирическом плане альбомов я встречал, мягко говоря, немного. Впрочем, это, наверное, не единственный шедевр от Eloy, однако именно эта работа делает их непохожими на других, позволяет показать весь мир внутренней "кухни" этой неординарной группы.

Psycho_Refugee   7 май 2014

Не секрет, что в многострадальные для арт-рока 80-е Эндрю Латимер немало конфликтовал с звукозаписывающей компанией Decca - типичный случай... Это, естественно, не могло не отразиться на материале того времени (если честно, не везде понятно даже, то ли писал по своей воле Латимер, то ли исключительно по контракту). Но, по счастью, новое десятилетие не заставило себя долго ждать. И Эндрю, порвав с прежним, вместе со своей женой Сьюзан Хувер основал Camel Productions. Так из появился обновлённый, свежий, полный новых идей Camel, и родился новый, мало похожий на предыдущих три, альбом.

"Пыль и мечты" - пожалуй одно из самых амбициозных творений за почти 40-летнюю историю "верблюдов". Хотя бы потому, что все те музыкальные черты, которые всегда были присущи этой замечательной команде - мягкое, рафинированное звучание; сложность музыкального рисунка; старание убежать от приевшихся клише - всё это выражается здесь в полной мере. После прослушивания создаётся впечатление, что годы творческой засухи очень сильно повлияли на музыкантов, однако, как это ни странно, не испортили собственно музыку, а сделали её намного более утончённой, скрытой от ушей, минималистичной (обложка лишь усиливает это чувство). На этом полотне поначалу очень легко затеряться, причём скорее в пыли, чем в мечтах. Клавишные Шерпенцеля пространны и атмосферны, они и создают общее настроение. Гитара Латимера же просыпается лишь изредка, хотя и остаётся в памяти, например на "Mother Road". Странно, согласитесь. Вот только эта размытость, эта странность не отталкивает, а наоборот, зовёт слушателя проникнуть за её завесу. Пусть для этого понадобится прослушиваний 5-10, ничего, игра явно стоит свеч. И с каждым новым прослушиванием непременно находится что-то новое, пыль рассеивается. Со временем начнёт казаться, что длительность всего альбома (а это 16!!! композиций) составляет минут 15-20, не более. Настолько он целостен и выдержан в одном ключе. Самые запоминающиеся вещи, пожалуй, - меланхоличная баллада "Go West"; раскрывающаяся, словно цветок, "Rose Of Sharon" - наверное, самая известная песня альбома, и неожиданно агрессивный инструментал "Hopeless Anger" (Энди проснулся!!!), который также не лишён мелодичности.

Альбом-загадка. Альбом-мечта. Сам Латимер назвал "Dust and Dreams" одним из 4-х самых примечательных релизов в истории группы (вместе с "Гусём", "Лунным безумием" и "Гаванью Слёз") - всё-таки первый в собственном "цеху". Старт поздних "верблюдов" однозначно даёт понять, что группа не просто ещё жива, но и способна на очень серьёзные, затрагивающие душу творения, что подтвердится на следующих трёх альбомах.

Psycho_Refugee   3 май 2014

Пережив в равной степени судьбоносный и для группы, и для музыки в целом 1969-й год, Роберт Фрипп вступил в новое десятилетие с новыми музыкальными идеями. Второй альбом практически целиком повторил атмосферу ставшего одиозным дебютника, да и состав тот золотой медленно, но верно разваливаться начал - МакДональд, первым почуяв, что после этого ловить ему с "Королём" нечего, и, видимо, полный новых задумок, спешно ретировался; Лейк, еле вытерпев, убежал творить навороченный симфо-арт к Киту Эмерсону; один из самых интересных, на мой взгляд прог-драммеров - Майк Джайлз - и тот ушёл (кстати, впоследствии вновь сойдясь с тем же МакДональдом). Можно, конечно, скорбеть, о том, что так недолго пробыли вместе эти замечательные музыканты, но Фрипп не сидел сложа руки, да и собрал группу заново в кратчайшие сроки.

Итак. основой нового КС стал уже успевший сыграть на "Посейдоне" саксофонист Мел Коллинз. Да-да, великие экспериментаторы повернулись в джазовую сторону. И повернулись, надо сказать так, что в одночасье вознеслись на вершины джаз-фьюжна, потеснив, казалось бы непоколебимого Заппу. Здесь же - джаз-роковый клавишник Кит Типпет, основавший один не самый последний коллектив "кентерберийской сцены" и барабанщик Энди МакКаллох, сменивший в 70-х не одну группу.

Первая композиция - и уже типично "кримзовые" черты, пусть и обретшие несколько иную форму: тёмная сила, мощь, будто сходящей с ума музыки, поверенная таинственной мелодичностью. В принципе, "Cirkus" вполне можно охотно сравнивать по этим особенностям с "21st Century Schizoid Man", и, как мне кажется, "Цирк" будет от этого только в выигрыше. Стоит ли удивляться относительной хитовости этой композиции, тем более что здесь содержатся отсылки даже к набирающему популярность классическому хэви-металлу (Даже Black Sabbath вдруг привиделись, или вернее сказать, прислышались, только тс-с-с!). Кстати, вокал Гордона Хаскелла здесь - тоже своеобразный интрумент нагнетания обстановки.

Далее, в "Indoor Games", Фрипп проявляет себя как композитор-авангардист. Песня, начавшись с насмешливых духовых, всё более усложняясь в ритме, а под конец и совсем теряя его, однако практически не теряет в гармоничности. Удивительно! В конце Хаскелл, будучи "под столом" от того, что только что спел (а Питер Синфилд, между прочим, высмеивал гедонизм), дико ржёт. Пожалуй единственный момент на целом альбоме, когда можно поморщиться и убавить громкость.

Следующая Happy Family проходит в очень бодром, увлекающем за собой ритме (спасибо мастеру Типпету за психоделические клавиши), и гипнотически-механический вокал Хаскелла тому только способствует. Да, и тут тоже авангард, хотя уже менее радикальный.

Вдоволь настучавшись, надудевшись, нахрипевшись (никакой насмешки с моей стороны, ведь работали-то на славу!), можно расслабиться. "Lady Of The Dancing Water" - нежная трогательная баллада, построенная на флейте Коллинза. Невероятная прозрачность. И вокала тоже, пусть и понятно, что тихое размеренное пение - не профиль Гордона. Всего две с половиной минуты... кажется, что именно таких песен иногда очень не хватает.

А что дальше? А дальше - одно из лучших в XX веке воплощений... нет, не прога, не джаза, а просто музыки, музыки, не втиснутой в жанровые рамки, музыки в чистом виде - 25-минутная сюита "Lizard". Здесь есть лучшее от всего того, что за прошедшие годы придумало в музыке человечество, будь то рок, неоклассика, джаз, авангард. История о Принце Руперте, его павлине, битве "хрустальных слёз" уже описана ниже во всех подробностях, а потому не буду засорять информационное пространство лишним описанием.

Кто-то, возможно, не принял таких "Кримзон", кто-то считает этот период в их творчестве чуть ли не провальным. Всем не угодишь - известная истина. Я же посоветую непосвящённым слушать, слушать и вслушиваться. Такая музыка несомненно глубока и сложна, а поэтому, вы что-нибудь точно найдёте и для себя. Этим и прекрасен арт-рок.

Psycho_Refugee  25 апр 2014

Так уж сложилось, что понятие "скандинавский арт-рок" при всём его многообразии, в настоящее время представляется в основном коллективами из Швеции: Anekdoten, Karmakanic, Anglagard, The Flower Kings - эти названия на слуху практически у всех, кто хотя бы немного знаком с подобной музыкой. Однако, к такой великолепной компании вполне можно отнести куда менее популярный и раскрученный (мягко говоря) коллектив из соседней Норвегии - Wobbler.

Музыка этих ребят из Хёнефосса не менее симфонична, очень продуманна, и, как следствие, нелегка к восприятию, так что любителям применять фразу "всё гениальное - просто" в собственных музыкальных вкусах рекомендовать альбом не буду (а то оскорбятся ещё). Но после весьма энергозатратного подробного ознакомления с дебютной работой "Hinterland", так сказать, на выходе, получаем не просто сильный арт-альбом, а просто-таки бриллиант на развалинах симфо-прога, целую музыкальную историю, которую дано понять единицам, но весьма интересно слушать, как хороший, не на шутку запутанный детектив.

Дебютный альбом норвежцев вмещает в себя 4 трека, первый из которых контрастирует с остальными по длине. Сорокасекундая "Serenade for 1652" задаёт общий тон альбому - трагический рёв клавишных, возглавляемых меллотроном подводит нас к основному содержанию - трём широким эпикам суммарной продолжительностью чуть менее часа.

"Hinterland" - здесь есть практически всё. Бодрые клавишные секции, сопровождаемые ураганными ударными, сменяются то тихими басовыми переборами, то мелодическими флейтовыми темами (чаще всего в духе ранних Genesis и Anglagard, но иногда что-то и "талловское" ловится), то пробуждается просто-таки траурный меллотрон, сопровождаемый местами вокализами - в общем, ритм меняется бесчисленное количество раз. Ближе к концу произведения всё чаще слышна акустическая гитара (даже с характерным скрипом), а порой ей на помощь приходит мандолина. Вокал Тони Йоханссена весьма странен (лично мне напоминает напуганного Дерека Шульмана из Gentle Giant), однако общую атмосферу только дополняет.

"Rubato Industry" - песнь куда более прямолинейная, резвая, даже нарочито яростная - ещё более беснуются ударные, меллотрон уже не солирует, а является угрожающим фоном для всего разнообразия инструментов. Ритм, однако, тоже прерывается грустной флейтой и прозрачным вокалом (здесь уже более походящего на сумасброда Джона Л. из Agitation Free и Ash Ra Tempel), но всё же чувствуется нехватка разнообразия по сравнению с предыдущей вещью. Моё мнение - здесь можно было постараться и получше.

"Clair Obscur" - пожалуй, любимая вещь на альбоме - в отличие от двух предыдущих монстров начинается не с сумасшедшего вихря инструментов, а всё с того же похоронного меллотрона и лирических клавишных пассажей, и лишь потом медленно разворачивается трагическая картина действия, сопровождаемая всё теми же жёсткими ударными (Мартин Кнеппен, должно быть, славно пропотел), а также импровизациями всевозможных синтезаторов, и, как вы уже догадались, меллотрона (такого "смачного", между прочим, я не слышал со времён King Crimson 70-х).

Что бы хотелось сказать в конце? Многие ценители, краем уха услышавшие "Воблеров" заявляют, будто эта группа - на 5% Yes, на 5% ELP, на 5% Anglagard, на 5% Gentle Giant... и т.д., и т.п., добираются даже до Magma. У группы, дескать нет ничего своего. Так вот, успокойтесь, найдите свободный часок, отрешитесь от внешнего давления, сосредоточьтесь - и врубайте Hinterland (не на всю громкость только). По прошествии 57 минут (доходит, конечно с первого раза далеко не до всех), вы поймёте, что Wobbler - не искусственное водохранилище, натасканное с океана по луже, а глубокое озеро, при благоприятном развитии, способное разлиться до не меньшего океана.

Psycho_Refugee  21 мар 2014

Вспоминая о таком масштабном явлении бесконечно глубокого океана арт-рока, как Van Der Graaf Generator, хочется посетовать на то, как же сложно оценивать музыку этих ребят. Апокалиптическая самобытность её одновременно сбивает с толку и подкупает. Впрочем, одна из таковых работ (как минимум одна), а именно диск, именуемый "Pawn Hearts", способен сбить ещё и с ног неуёмной энергией, сравнимой с извержением вулкана, или, что даже больше похоже, с разрушительной волной цунами. Хэммилл, ещё более отточивший связки, вещает голосом смерти... точнее, даже несколькими её голосами - трагически-отчаянным в "Lemmings" (What cause is there left but to die?), полным одновременно страха и меланхолии в "A Plague..." и откровенно озверевшим в "Man-Erg" (а, ну да, в нём же киллер поселился). Саксофоны Джексона, тоже, кажется, готовы убить - появляясь неожиданно, будто из-за угла, они буквально застают врасплох неподготовленного слушателя, выдавая каждый раз неповторимо яркую партию(прямо смерть с косой вижу перед собой, когда слышу это "ту-ту-ту-ту-ту" на контрасте с лиричным вступлении во 2-й композиции). Гай Эванс показывает себя высококлассным ударником, который умеет выходить на передний план, когда это действительно нужно, и скрываться, когда барабаны слышать явно не хочется (ну чтоб окончательно не тронуться умом). А за клавишами, нагоняя одну за другой волны психоделии, наш разум будоражит Хью Бэнтон, за что ему от меня, флойдомана, respect.

Кстати, размышляя над услышанным, я был просто счастлив, увидев надпись "Robert Fripp". Да, его гитару с первого раза может услышать здесь только настоящий ценитель экспериментальной музыки, который на таких вот монстрах жанра, что называется, "собаку съел", однако атмосфера, знакомая по KC, здесь ощущается очень здорово, хотя в несколько изменённом виде. И теперь, когда альбом уже прочно сидит под кожей, понятно, что Фриппа тут не быть просто не могло. Роберт и Питер - когда-нибудь они должны были пересечься и создать....

Да, это стихия, стихия хаоса, но не зря же альбом заканчивается как-будто нахлынувшим просветлением, какой-то надеждой, что-ли... Ведь не зря же с убийцей соседствуют ангелы. По завершении 45 минут не хочется идти и повеситься на ближайшем столбе, как можно было предполагать в начале, нет, настоящее искусство призывает к жизни!
What choice is there but to live?

Psycho_Refugee  15 мар 2014

"Во дворе Малинового Короля..." Альбом, который принято называть первым в прогрессивном роке, воистину выдающийся. "Выдаётся" здесь буквально всё - начиная от обложки, ставшей культовой в масштабе всей рок-музыки XX века, и заканчивая неповторимой психоделической атмосферой. Первое слово, которым можно описать эти пять треков, не поддающихся какой-либо единой концепции, однако же ощутимо пронизанных общим духом - шок. И это слово, вероятно, окажется самым правдивым. Невероятно мощный сплав кислотного фри-джаза и пугающего, дикого хард-рока - "Шизоид 21 века" - шок. Подчёркнуто-расслабленная и меланхоличная баллада "I Talk To The Wind", опять-таки сладостно отдающая кислотой - шок. Это же слово идеально подходит и к остальным трём произведениям Роберта Фриппа сотоварищи. Шок - и сам коллектив, существующий в разных проявлениях уже почти полвека, всячески сторонящийся мейнстрима, но, несмотря на это, способный до глубины души удивлять и многолетних поклонников ,и фанатов нового поколения практически каждой работой, ибо почти каждая работа уникальна. Первый альбом, звучание которого одновременно дико (анти-мейнстрим чувствуется уже здесь, в истоках) и композиционно выверено, и есть квинтэссенция музыкального шока, то есть нестандартного, некоммерческого, а сугубо самобытного, артового подхода к музыке. Настоящее искусство - вот то определение, которое сменяет уже привычный "шок" на стадии осмысления этого столпа прог-арт-рока. Одним словом, сочетание самобытности, творческой свободы и музыкального мастерства (речь не только о несомненном композиторском гении Фриппа; к примеру, только вслушайтесь, как интересно здесь стучит Майк Джайлз!) - явление очень редкое, а сегодня, в свете неконтролируемой коммерческой оккупации музыки, почти утерянное, так что... да не утеряет этот диск (и эта группа) актуальности, как и всё прекрасное, созданное человечеством. К слову сказать, сколько великих групп, известных человечеству, так мощно начинали? Всего-то вспоминаются: The Doors, Led Zeppelin да Can, и вот, ещё Малиновый Король.
P.S. Шок - ещё и тот самый 1969 год, буквально разразившийся неповторимыми шедеврами в арт-роке и смежных жанрах, но это уже совсем другая история...

Psycho_Refugee  10 мар 2014